charlemos de cine

Woody Allen, Hollywood y el cine

2007-12-16T10:32:00.000-03:00

Conocidas por los amantes del cine son las diferencias que Woody Allen mantiene con el mundo de Hollywood. Ahora, en una entrevista que le realizó la revista alemana "Die Zeit", el actor, guionista y director dejó unas cuantas frases más que elocuentes, no sólo referidas a ese tema sino también al cine, al éxito y al fracaso. Allá vamos:

"Para los cineastas de Hollywood filmar una película no es más que una posibilidad de hacer cientos de millones de dólares. No los envidio. Para mí, la realización cinematográfica es una forma de arte"

"No tengo nada contra Los Angeles, pero sencillamente no me hace ilusión. No me gusta ni el sol ni tener que manejar siempre el auto"

"Escribir una película es para mí una terapia. Si no escribiera guiones cinematográficos, me dedicaría a obras teatrales o libros. Si no escribo, me siento miserable"

"De joven le tenía mucho miedo al fracaso, pero con el tiempo ese sentimiento se fue desvaneciendo. Fracasaba, volvía a fracasar y me di cuenta que no pasaba nada, hasta que al final, el miedo desapareció. Lo más tonto es que incluso cuando celebras el mayor de los éxitos, tampoco pasa nada". Y todo esto es, en cierto modo, muy tranquilizador"

Música y cine VI/ Johnny & June

2007-12-07T20:01:00.001-03:00

Un poco por falta de tiempo y otro poco por cansancio y un desgano típico de esta altura del año, lo cierto es que hace una semana que no escribo una línea. Dejé con Reese Whiterspoon y sus ganancias hollywoodenses y ahora resolví volver con ella. En realidad, con una película en la que ella es la protagonista femenina: "Johnny & June, pasión y locura", en la cual el estelar masculino quedó en manos de Joaquin Phoenix. El nombre original es Walk the line (su traducción más literal sería "En la cuerda floja", producida en 2005 y dirigida por James Mangold.

Me saltó como una excelente opción para hacer un "Música y cine". La primera razón es, precisamente, la banda sonora de la película, muy afín a mis gustos. Además, el filme en sí bien vale la pena ya que está muy bien contado e interpretado. Brevemente, recuerdo o cuento que se trata de una historia tan romántica como dramática, en la cual se retrata la tortuosa vida y obra de Johnny Cash, un cantautor de música country y rock que entre los 50 y 60 se convirtió en uno de los músicos más populares de Estados Unidos. Su compañera en el escenario fue la carismática actriz y cantante June Carter, con quien gira va, gira viene, entabló una relación que excedió lo profesional.

Aquí cuelgo dos videos de la misma canción: Jackson. El primero, interpretado por los Johnny & June verdaderos y el segundo por Phoenix & Whiterspoon, con un dato nada menor: utilizaron sus propias voces. Una película que vale la pena ver, sobre todo para los amantes de las historias de amor tumultuosas, de las muchas veces desequilibradas vidas de los exitosos y de la buena música.

And the winner is... Reese Whiterspoon

2007-11-30T19:03:00.000-03:00

Hollywood, cifras y ganancias. Altísimas (obvio), según las cifras publicadas por la revista The Hollywood Reporter, en las que se destacan Reese Whiterspoon y Angelina Jolie como las que más ganan entre las actrices por sus participaciones cinematográficas: entre 15 y 20 millones de dólares por películas. Sin embargo, estos números pueden variar de acuerdo al proyecto como, por ejemplo, en la película "Beowulf", donde Jolie cobró sólo 8 millones por su rol secundario.

El tercer puesto lo ocupa Cameron Díaz, quien acostumbra recibir nada menos que 15 millones de dólares por filme. Una vez llegó a ganar el doble por sólo prestar su voz, como fue el caso de "Shrek", donde interpretó a la princesa Fionna. Luego siguen Nicole Kidman, Renee Zellweger, Sandra Bullock y Julia Roberts, quienes ganan entre 10 y 15 millones de dólares.

Sintetizando, la lista de las top ten es la siguiente:

1. Reese Whiterspoon - US$ 15 a 20 millones
2. Angelina Jolie - US$ 15 a 20 millones
3. Cameron Diaz - US$ 15 millones
4. Nicole Kidman - US$ 10 a 15 millones
5. Renee Zellweger - US$ 10 a 15 millones
6. Sandra Bullock - US$ 10 a 15 millones
7. Julia Roberts - US$ 10 a 15 millones
8. Drew Barrymore - US$ 10 a 12 millones
9. Jodie Foster - US$ 10 a 12 millones
10. Halle Berry - US$ 10 millones

Acerca del guión V/ Personajes 1

2007-11-25T10:53:00.001-03:00

Páginas, páginas y más páginas pueden escribirse acerca de la construcción de personajes y la importancia que ello requiere a la hora de llegar a un buen producto final. Porque si bien es cierto que la mano del director y la capacidad de los actores son los que redondearán la esencia y la vida del personaje, mucho mejor resulta todo si su fisonomía comienza a dibujarse desde el guión. Voy a recurrir a algunas frases de expertos en el tema para tratar de ser sintético:

"El personaje es el corazón y el alma de la película"

SYD FIELD

"Existe un conflicto entre el escritor y sus personajes, pero estos deben ganar. Cuando un escritor prepara un plan para ellos y los obliga a segurilos al pie de la letra... cuando no se rebelan porque el escritor los ha sometido, también los ha matado. O, más bien, ha frustrado su nacimiento"

HAROLD PINTER

"Después de la página 10 del guión, ya no puedo hacer más nada por mis personajes"

ANDRZEJ WAJDA

Seguramente abordaré en otras entradas el tema. Y será en "otras" y no en "otra" por la diversidad y aristas que presenta. Si bien la mayoría de las películas tienen su punto de partida en la necesidad de relatar una historia, existen innumerables filmes que nacen desde la creación de un personaje, a partir de los cuales se edifica el argumento. "La fiesta de Babette", "Tootsie" o "Mejor imposible", son solamente algunos entre tantísimos ejemplos.

Seré breve e iré al grano a partir de otra frase de Syd Field:

"Al personaje se lo conoce por lo que hace y no por lo que dice"

Más allá de la rigidez de la expresión, ésta conlleva una gran parte de verdad. Igualmente, otra especialista como Linda Seger no refuta el concepto, pero agrega que el personaje también es expresión. Valen ambas posturas, por la sencilla razón de que no se chocan, sino que se complementan.

Pero en esta entrada aparece un tal Ettore Scola, quien con su legendaria "El baile" (Le bal, 1983) le da la derecha a Field al crear una obra de 112 minutos sin diálogos. A lo largo de ellos, Scola y sus compañeros guionistas Furio Scarpelli, Ruggero Maccari y Jean-Claude Penchenat, nos logran mostrar en un salón de baile las obsesiones, soledades, deseos, sueños, angustias, padecimientos, tribulaciones, dolores, expectativas y todo lo que se quiera de un grupo de hombres y mujeres sin necesidad de recurrir a la palabra expresa. Quienes la vieron, saben de qué hablo. Quienes no la vieron... por favor, háganlo. No se arrepentirán. Estoy hablando de una obra maestra.

¿No lo creen del todo quienes no la vieron? Bueno... les regalo una secuencia de 10 minutos, los que van desde la tensa espera que antecede al momento en que la orquesta comienza a tocar -dando vía libre al baile- hasta el fin de la primera "pieza", como se decía por aquellos tiempos. Ese lapso alcanza para mostrar a todos y cada uno de los personajes sin necesidad -reitero- de decir una palabra. Otra buena... todavía faltan otros 102 minutos.

5 Frases de cine 5/ VIII

2007-11-23T23:42:00.000-03:00

"Nunca voy a ver películas donde el pecho del héroe es mayor que el de la heroína"

Groucho Marx

"Un actor siempre está desnudo en la pantalla, aunque esté vestido"

Harvey Keitel

"Hollywod es como estar en ningún lugar hablando a nadie sobre nada"

Michelangelo Antonioni

"Cuando dirijo, hago de padre... cuando escribo, hago de hombre... cuando actúo, hago de idiota"

Jerry Lewis

"Para mi, el cine son cuatrocientas butacas que llenar"

Alfred Hitchcock

Adiós al enorme Fernando Fernán Gómez

2007-11-21T19:42:00.000-03:00

Cuando alguien muere, hay una tendencia ligera a pontificar sobre él. Mala costumbre (que felizmente no tengo ya que podría hacer una extensa lista de fallecidos miserables o miserables fallecidos), aunque no es el caso de Fernando Fernán Gómez, nacido en Perú, de nacionalidad argentina durante la mayor parte de su vida y fallecido ayer en España, país en el que vivió y del cual pasó a ser ciudadano en 1984. ¿Cómo es eso? Dejémoslo para el final. Ahora comencemos por decir que Fernán Gómez tenía 86 años, fue actor, director, guionista, dramaturgo, novelista y, tal como dijo hace años el autor español Antonio Muñoz Molina: "Ha hecho de todo y ha dejado una marca original y dominante en cada una de sus obras''.

Particularmente, siempre me resultó un gran placer ver a Fernán Gómez en cine. De voz severa, presencia imponente y dueño de un talento poco común para manejar gestualidad y silencios, cuando él aparecía se iluminaba la pantalla. En el clip que acompaña esta entrada, perteneciente a "El abuelo" (1998), esto se advierte con claridad. Paradito, en una suerte de monólogo apenas interrumpido por algunos comentarios de las personas a las que se dirige, da una lección de interpretación desde su papel del conde de Albrit. Sugerencia: dura algo más de seis minutos... mírenla... es un regalopara los que amamos el cine.

Participó de un modo u otro en alrededor de 200 películas y trabajó en decenas de obras de teatro, expresión artística que abrazó desde chico y a la cual adoraba. Tan extensa fue su obra que intentar hacer en estas líneas una mención a algunos de sus trabajos no tendría mayor sentido, pero con un clik aquí, se podrá acceder a a ella de modo completo. Una trayectoria enorme, enorme...

Cerramos con los vaivenes de su nacionalidad. Nació en Lima, Perú, el 21 de agosto de 1921 durante una gira de su madre, la también actriz Carola Fernán Gómez, pero ocurrió que su nacimiento se registró una semana después en Buenos Aires y conservó la nacionalidad argentina hasta 1984, como ya se dijo. Ayer, una "insuficiencia cardiorespiratoria" se lo llevó. Lo que no podrá llevarse será su vasta y excelente obra.

Fernando Fernán Gómez fue un grande de verdad.

Coppola eligió a Maribel

2007-11-17T21:00:00.000-03:00

Finalmente, el gran Francis Ford Coppola se decidió y la elegida para el papel protagónico femenino de la película que prepara y filmará el año próximo en Buenos Aires es la siempre inquietante Maribel Verdú. Así, la actriz que engalanó una de nuestras entradas de Diosas del cine (click aquí) volverá a la Argentina, donde hace muy poco estuvo filmando "El niño de barro". La española estará acompañada por el joven debutante estadounidense Alden Ehrenreich. De este modo, se sigue conformando buena parte del elenco estelar de "Tetro" (tal el nombre de la realización), ya que Matt Dillon está comprometido desde hace meses. Otro nombre que se baraja con fuerza es el del cada vez más completo Javier Bardem. Según se sabe, el argumento está basado en las rivalidades de una familia de artistas, inmigrantes italianos en Argentina, pese a lo cual estará hablada en inglés.

Diosas del cine VIII / Angelina Jolie

2007-11-10T20:18:00.000-03:00

Era obvio de toda obviedad que Angelina Jolie era número puesto para esta sección. Ya había comenzado a separar algún material sobre ella, cuando días atrás -en una de esas tantas subjetivas, caprichosas y divertidas encuestas- fue elegida por la revista Entertainment Weekly
como el símbolo sexual femenino más erótico de ... ¡¡¡Todos los tiempos!!! Segunda quedó Raquel Welch; 3ª) Marilyn Monroe y Jessica Alba; 5ª) Monica Belucci; 6ª) Michelle Pfeiffer y Catherine Zeta-Jones y 8ª) Salma Hayek, Kate Beckinsale, Ava Gardner, Audrey Hepburn y Grace Kelly. En fin... todo sumamente incomprobable. Pero no importa... nadie puede negar que Angelina tiene lo suyo como para figurar en cualquier tipo de encuesta de este tipo. ¿O no? Además, en su caso, me animo a arriesgar una sensación personal: a muchas mujeres las sorprendí "escapándosele" que Jolie les genera algún tipo de atracción. Y no estoy hablando de lesbianas, sino de mujeres heterosexuales. Una sensación, nada más...

Así las cosas, acompaño esta entrada con un clip que coprotagoniza con Gerard Butler, su compañero en "Tomb Raider: Lara Croft" y otro con la actriz Elizabeth Mitchell, con quien compartió algunas escenas de cama en el telefilme "Gia", una de las primeras apariciones de Angelina Jolie en la que llamó la atención. Como la idea de esta página no es herir susceptibilidades, espero que Brad Pitt -visitante habitué del blog- no se sienta celoso ni molesto.

Ciclos/cursos/ charlas y otras yerbas I

2007-11-07T21:48:00.000-03:00

Soy periodista... ¡Qué se puede hacer! Entonces, todo lo que sea información me "puede" y lo divulgo. Abro ahora una nueva sección acerca de ciclos, charlas y demás. Si bien había difundido algunos, ahora tendrán característica "oficial" dentro del blog. La información de hoy, entonces, proviene de la Fundación Cineteca, que propone una joyita con Charles Laughton y se manda con el ciclo "El placer de la maldición fragmentada", que empieza así:

Viernes 9 de noviembre a las 20.15

LA NOCHE DEL CAZADOR
(The Night of the Hunter)

Direccción: Charles Laughton / guión: Davis Grubb & James Agee / fotografía: Stanley Cortez /música: Walter Schumann / montaje: Robert Goleen / dir. de arte: Hilyard M. Brown / sonido: Stanford Houghton / vestuario: Jerry Boss / maquillaje: Don Cash / peinados: Kay Shea / dirección de los niños: Robert Mitchum / productor ejecutivo: Ruby Rosenberg / producción: Paul Gregory.

Elenco: Robert Mitchum (Harry Powell), Shelley Winters (Willa Harper), Lillian Gish (Rachel Cooper), James Gleason (Birdie Steptoe),Peter Graves (Ben Harper), Billy Chapin (John Harper), Sally Jane Bruce (Pearl Harper), Evelyn Varden, Don Beddoe, Gloria Castillo, George Wallace, Corey Allen, Paul Bryar, Cheryl Callaway, Michael Chapin, Mary Ellen Clemons, Kathy Garyer, John Hamilton, Gñoria Pall y otros.
Origen: EEUU / año: 1955 / duración: 93 minutos.

Ben Harper comete un asesinato a cambio de 10.000 dólares. Esconde el dinero y hace prometer a sus hijos que mantendrán en secreto el lugar donde está. Ni siquiera Willa, la madre de sus hijos sabe el escondite de los billetes. Mientras está en prisión, esperando para ser ejecutado por su crimen, Ben conoce al predicador Harry Powell, quien trata sin éxito que le revele el lugar donde está el dinero. Cuando Powell sale de la prisión, se gana el aprecio de Willa y se casa con ella, con la intención de matarla en cuanto sepa dónde se esconde el dinero. Ahora tan sólo los niños lo separan de su preciado botín… Pocos personajes tan inquietantes como el predicador oscuro, sarcástico y turbador que protagoniza esta película, la única que dirigió el actor Charles Laughton. Y no es sólo un clásico fundamental e inimitable. Es también el más perverso cuento de hadas de las historia del cine…Asombrosa capacidad creativa de Charles Laughton, famoso y talentoso actor que dirigió una sola película. El director que logró filmar el miedo.

EN ESTE CICLO SE PROYECTARAN LAS SIGUIENTES PELICULAS

Viernes 16 de Noviembre: DUMPLINGS, Fruit Chan
Viernes 23 de Noviembre: GRIZZLY MAN, Werner Herzog
Viernes 30 de Noviembre: EL ELEMENTO DEL CRIMEN, Lars von Trier
Viernes 7 de Diciembre: NO HAY FUNCION
Viernes 14 de Diciembre: SIN FIN, Krzisztof Kieslowski
Viernes 21 de Diciembre: SED DE MAL, Orson Welles

Más datos acerca de estas y otras cuestiones se obtienen por estas vías:

INFORMES Y ATENCION
Lunes a Viernes de 16 a 20 BOULOGNE SUR MER 549 (teatro IFT) Tel. 4963-7591

cinetecavida@leedor.com
www.leedor.com/cinetecavida

Encuesta III/Las 5 mejores del cine de EE.UU.

2007-11-04T12:39:00.000-03:00

La entrada anterior, que recordaba las 100 mejores películas estadounidenses según una votación del Instituto de Cine Americano, da lugar a una nueva encuesta. De esa nómina yo elegí mis veinte y aquí propongo que votemos las cinco favoritas de cada uno de nosotros. La lista es caprichosa, antojadiza, subjetiva, lo que se quiera. La idea es jugar. A las urnas, entonces. Arriba, a la derecha, bien visible.

El Ciudadano, una subasta y una lista

2007-11-03T09:55:00.000-03:00

Esperan recaudar entre 80.000 y 120.000 dólares. La subasta será el 11 de diciembre en la tradicional Sotheby's y la pieza que estará en remate será nada menos que la copia original del guión de "El ciudadano", esa obra maestra dirigida por Orson Welles y co-escrita con Herman Mankiewicz. La obra consta de 156 páginas, es la última versión del texto que finalmente se rodó y cuenta con numerosas anotaciones, revisiones, supresiones y nuevas escenas añadidas. Además, ese mismo día estiman que van a conseguir algo más de un millón de dólares por la estatuilla del Oscar que ganaron Welles-Mankiewicz por ese guión, definido como "el más importante de todos los tiempos" por la directora de colecciones de la casa de subastas, Leila Dunbar.

Ahora, algo que no es noticia, pero que sirve para un recordatorio y para dar pie a una nueva encuesta. En junio último, El Instituto de Cine Americano confeccionó una lista tras una extensa votación entre especialistas en la que se escalonan las mejores 100 películas estadounidenses de la historia, la que precisamente encabeza "El ciudadano", "Ciudadano Kane" o "Citizen Kane", como cada uno prefiera. Con la carga de subjetividad que esto tiene, si se lo toma como un juego o referencia, vale. La nómina es la siguiente:

1. “Ciudadano Kane,” 1941.
2. “El Padrino,” 1972.
3. “Casablanca,” 1942.
4. “Toro salvaje,” 1980.
5. “Cantando bajo la lluvia,” 1952.
6. “Lo que el viento se llevó,” 1939.
7. “Lawrence de Arabia,” 1962.
8. “La lista de Schindler,” 1993.
9. “Vértigo,” 1958.
10. “El mago de Oz” 1939.
11. “Candilejas” 1931.
12. “Centauros del desierto” 1956.
13. “La guerra de las galaxias” 1977.
14. “Psicosis” 1960.
15. “2001: Una odisea del espacio” 1968.
16. “Sunset Boulevard” 1950.
17. “El graduado” 1967.
18. “El maquinista de la general” 1927.
19. “La ley del silencio” 1954.
20. “¡Qué bello es vivir!” 1946.
21. “Chinatown,” 1974.
22. “Una Eva y dos Adanes” 1959.
23. “Viñas de ira” 1940.
24. “E.T. el extraterrestre” 1982.
25. “Matar a un ruiseñor” 1962.
26. “Caballero sin espada” 1939.
27. “Solo ante el peligro” 1952.
28. “Eva al desnudo” 1950.
29. “Perdición” 1944.
30. “Apocalypse Now” 1979.
31. “El halcón maltés” 1941.
32. “El padrino, segunda parte” 1974.
33. “Atrapado sin salida” 1975.
34. “Blancanieves y los siete enanitos” 1937.
35. “Annie Hall” 1977.
36. “El puente sobre el río Kwai” 1957.
37. “Los mejores años de nuestra vida” 1946.
38. “El tesoro de Sierra Madre,” 1948.
39. “Teléfono rojo, ¿volamos hacia Moscú?” 1964.
40. “The Sound of Music,” 1965.
41. “King Kong,” 1933.
42. “Bonnie y Clyde,” 1967.
43. “Cowboy de medianoche” 1969.
44. “Historias de Filadelfia” 1940.
45. “Shane,” 1953.
46. “Sucedió una noche” 1934.
47. “Un tranvía llamado deseo” 1951.
48. “La ventana indiscreta” 1954.
49. “Intolerancia” 1916.
50. “El señor de los anillos: La comunidad del anillo” 2001.
51. “West Side Story,” 1961.
52. “Taxi Driver,” 1976.
53. “El cazador,” 1978.
54. “M-A-S-H,” 1970.
55. “Con la muerte en los talones” 1959.
56. “Tiburón” 1975.
57. “Rocky,” 1976.
58. “La quimera del oro” 1925.
59. “Nashville,” 1975.
60. “Sopa de ganso” 1933.
61. “Sullivan’s Travels,” 1941.
62. “American Graffiti,” 1973.
63. “Cabaret,” 1972.
64. “Network,” 1976.
65. “La reina de África” 1951.
66. “En busca del arca perdida” 1981.
67. “¿Quién teme a Virginia Woolf?” 1966.
68. “Sin perdón" 1992.
69. “Tootsie,” 1982.
70. “La naranja mecánica” 1971.
71. “Salvar al soldado Ryan” 1998.
72. “Cadena perpetua” 1994.
73. “Dos hombres y un destino” 1969.
74. “El silencio de los corderos” 1991.
75. “El calor de la noche” 1967.
76. “Forrest Gump” 1994.
77. “Todos los hombres del presidente” 1976.
78. “Tiempos modernos” 1936.
79. “Grupo salvaje” 1969.
80. “El apartamento" 1960.
81. “Espartaco” 1960.
82. “Sunrise” 1927.
83. “Titanic” 1997.
84. “Easy Rider” 1969.
85. “Una noche en la ópera” 1935.
86. “Platoon” 1986.
87. “12 Angry Men,” 1957.
88. “Bringing Up Baby,” 1938.
89. “El sexto sentido” 1999.
90. “Swing Time,” 1936.
91. “Le decisión de Sophie” 1982.
92. “Uno de los nuestros” 1990.
93. “The French Connection” 1971.
94. “Pulp Fiction” 1994.
95. “The Last Picture Show” 1971.
96. “Haz lo que debas” 1989.
97. “Blade Runner” 1982.
98. “Yankee Doodle Dandy” 1942.
99. “Toy Story” 1995.
100. “Ben-Hur” 1959.

Acompaño con una de las tantas notables escenas de esta gran película. Va subtitulada.

5 Frases de cine 5/ VII

2007-10-28T18:19:00.000-03:00

"En Europa, un director puede tomarse todo el tiempo del mundo para crear una atmósfera y meter un montón de escenas de nubes que se disuelven, pero el público de Estados Unidos, si les muestras las nubes por segunda vez... espera ver entre ellas un aeroplano".

Billy Wilder

"No creo en la teoría que la vanidad tenga que ver con el hecho de ser actor. Actuar es menos acerca de uno mismo y más acerca de lo que se trata de comunicar".

Al Pacino

"Las películas no son planas. Son esferas multifacéticas".

Akira Kurosawa

"El cine es descojonante. Se habla como si nada de seis, ocho millones de espectadores. Estas son cifras con las que nunca pudo soñar ningún director teatral o novelista y menos aún Esquilo, Sófocles o Eurípides".

Fernando Fernán Gomez

"Amo más al ratón Mickey que a cualquier mujer que haya conocido".

Walt Disney

Hiroshima, Duras, Resnais...

2007-10-27T09:28:00.000-03:00

EL

Tú no has visto nada en Hiroshima. Nada.

ELLA

He visto todo, todo... también el hospital, estoy segura. El hospital existe en Hiroshima. Imposible no verlo.

EL

No has visto ningún hospital en Hiroshima. Tu no has visto nada en Hiroshima.

ELLA

Cuatro veces, en el museo.

EL

¿Qué museo en Hiroshima?

ELLA

Cuatro veces en el museo de Hiroshima, he visto pasear a la gente, pensativa, entre las fotografías y las maquetas, a falta de otra cosa. Las explicaciones, a falta de otra cosa. Cuatro veces en el Museo de Hiroshima he observado a la gente, a mí misma, pensativa. El hierro... el hierro quemado, vulnerable como la carne. Cápsulas como flores... ¿quién lo hubiera pensado? Pieles humanas flotando, sobreviviendo... conservando aún la frescura de sus sentimientos.Piedras... piedras quemadas... piedras destrozadas. Cabelleras anónimas de las mujeres de Hiroshima, que habían perdido totalmente a la mañana al despertarse. Sentí mucho calor en la Plaza de la Paz. Diez mil grados en la Plaza de la Paz. Yo lo sé. La temperatura del sol en la Plaza de la Paz. ¿Cómo ignorarlo? La hierba, así de simple.

EL

Tú no has visto nada en Hiroshima. Nada.

Así comienza "Hiroshima mon amour". Con este diálogo mechado entre imágenes del horror de la bomba atómica y una pareja después de hacer el amor, retratada por Alain Resnais (abajo, izquierda) utilizando la modalidad del llamado extrañamiento. Así, sólo se ven brazos, espaldas, fragmentos de cuerpos desnudos mientras se oye ese diálogo ma-ra-vi-llo-so ideado por Marguerite Duras (derecha).
El (Eui Okada) es un hombre de negocios japonés y Ella (Emmanuelle Riva) una actriz francesa que se encuentran en Hiroshima y viven una noche de pasión a horas de que ella deba regresar a su país tras la finalización del rodaje de la película que fue a filmar.

Es el punto de partido de un guión escrito por Duras en donde las palabras se transforman en la gran fiesta de la obra. ¿Y Resnais, qué..? Particularmente, creo que tuvo la gran virtud de poner su cámara al servicio de los diálogos, sin buscar el lucimiento propio del director. Paradójicamente (o no) a través de esa elección lo alcanzó.

No voy a ponerme a analizar la película aquí, estrenada hace ya 49 años. Simplemente, aprovecho el ciclo de cine sobre Resnais (programación y detalles, aquí) que comenzará el martes en el Teatro San Martín para sacar a la luz un filme que acepta infinidad de puntos de vista: sensible, crudo, tedioso, aburrido, obra maestra... en fin... lo que se quiera. En lo personal, creo que el fuerte está en los diálogos de Duras, sobre los cuales se desarrolla toda la historia. Como para contradecir aquella frase que dice que el cine es imagen. Para mí, es imagen y sonido. Y este último punto incluye -obviamente- los diálogos en una categoría primordial. Bien... así las cosas, enlazo aquí con la validísima opinión del autor del más que interesante Blogdecine, quien titula su entrada acerca de la película que nos ocupa como "Hiroshima mon amour, un clásico del aburrimiento". Me parece interesante leer su punto de vista.

Yo, particularmente, remato este post con otro texto vigorosamente erótico, cuando Ella le dice:

....Y te encuentro a ti. Te recuerdo. ¿Quien eres? Tú me estás matando, tú me haces bien... Eres mi vida. ¿Cómo pude dudar que esta ciudad estuviera hecha a la medida del amor? ¿Cómo pude dudar que estuvieras hecho a la medida de mi propio cuerpo? Me gustas... Qué acontecimiento... Me gustas... Qué lentitud, de pronto. Qué dulzura. Tú no puedes saber... Me estás matando... Me haces bien... Me estás matando... Eres mi vida. Tengo tiempo de sobra. Te lo suplico... Devórame. Defórmame hasta la fealdad. ¿Por qué no tú? ¿Por qué no tú en esta ciudad y en esta noche tan semejante a las demás que se confunde con ellas? Te lo suplico.......

Extraordinario ciclo de David Lynch

2007-10-23T17:27:00.000-03:00

Mucho es lo que escribí aquí sobre David Lynch. Ahora, no puedo menos que difundir este llamado Ciclo de Grandes Directores que el Centro Cultural Borges pone en funcionamiento los viernes, sábados y domingos de noviembre a un valor de 8 pesos. La grilla completa de la programación con una breve sinopsis elaborada por los organizadores de la muestra es la siguiente. Vale... juro que vale...

3/11 - 18 hs.

Cabeza borradora. Eraserhead. (EEUU, 1976)

Producción: David Lynch Productions para American Film Institute. Guión: David Lynch. Intérpretes: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, James Baters, Judict Anna Roberts, Laurel Near, Jean Lange, Jack Fisk, Thomas Coulson, Raymond Walsh, John Monez, Darwin Joston, Neil Moran, Hal London, Jennifer Lynch, Brad Keller. Duración: 89 min.

El film representa la primera colaboración entre el autor y el desaparecido actor Jack Nance, quien ha participado en todos sus trabajos. Los críticos han coincidido en verla como una especie de homenaje al cine expresionista de los años veinte. A nivel temático, se la asocia con la intención de parodiar a la sagrada familia cristiana. El mayor impacto es el efecto de composición pictórica, así como el grado de sofisticación estética y simbólica que alcanzan algunas de sus tomas.

4/11 - 18 hs.

El hombre elefante. The Elephant Man. (G.B.-EEUU, 1980)

Producción: Jonathan Sanger. Guión: David Lynch, Christopher DeVore y Eric Bergen, basado en los libros de Sir Frederick Treves y Ashley Montagu. Intérpretes: Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Freddie Jones, Michael Elphnick, Hannah Gordon, Helen Ryan, Phoebe Nicolls, Lydia Lisle, Pat Gorman, Frederick Treves, Kenny Baker, Chris Greener, Lisa y Teri Scoble. Duración: 124 min.

El hombre elefante es un film basado en un hecho real, que en esos años se representó con un gran éxito en un teatro de Londres, convertida en una ópera rock e interpretada por David Bowie. Narra la historia de Jhon Merrick, afectado desde temprana edad por una extraña neurofibromatosis. La temática consolida la definición personal que Lynch hace de la deformidad, así como el horror que parece manifestar hacia la normalidad.

9/11 y 18/11 - 18 hs.

Terciopelo azul. Blue Velvet (EEUU., 1986)

Producción: Fred Caruso. Guión: David Lynch. Intérpretes: Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper, Laura Dern, Hope Lange, George Dickerson, Dean Stockwell, Priscilla Pointer, Frances Bay, Jack Harvey, Brad Dourif, Ken Sovitz, Jack Nance, Feed Pickler, Leonard Watkins y Moses Gibson. Duración: 119 min.

Terciopelo azul es un viaje por debajo de la superficie de una pequeña ciudad norteamericana, pero es también un viaje dentro de la conciencia, lo que contribuye a captar el verdadero sentido de las cosas. Su peculiar estructura narrativa, no es obstáculo, para que el género policiaco de finales de los ´40 y principios de los ´50, constituya la guía de lectura más importante del film.

10/11 - 18 hs.

Corazón Salvaje. Wild at Heart, (EEUU. 1990)

Producción: Monty Montgomery, Stee Golin y Joni Sighvatsson. Guión: David Lynch, basado en la novela de Barry Gifford. Intérpretes: Nicholas Cage, Laura Dern, Diane Ladd, William Dafoe, Harry Dean Stanton, Isabella Rossellini, Crispin Glover, Grace Zabriskie, J. E. Freeman, Morgan Sephard, Jack Nance, Freddie Jones, John Lurie, Eddie Dixon, Sherilyn Fenn, Sheryl Lee, Glenn Walker Harris Jr. Duración: 127 min.

Con Corazón salvaje obtiene la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1989. Su guión procede de la novela homónima de Barry Gifford, a la cual se le añaden nuevos elementos temáticos. Es la historia de Lula y Saylor, ambos forman parte de un mundo sui generis, a través del cual se realiza una serie de homenajes explícitos al mundo del cine.

16/11 - 18 hs.

Carretera perdida. Lost Highway, (EEUU-Francia. 1997)

Producción: Ciby 2000. Guión: David Lynch y Barry Gifford. Intérpretes: Bill Pullman, Patricia Arquette, Balthasar Gety, Robert Blake, Robert Loggia, Jenna Maetlind, Lou Eppolito, John Roselius, Richard Pryor, Garey Busy, Natasha Gregson Wagner, Jack Nance. Duración: 135 min.

Carretera perdida es una historia de amor obsesiva que intenta bucear dentro del imaginario femenino. Es una obra multigénero que incluye misterio con elementos de horror y thriller y representa una síntesis del universo Lyncheano en arte y en lenguaje. La estrategia: que el espectador devele, si se trata de una o dos historias, lo cierto es que ambas se entrecruzan de modo inextricable.

17/11 - 18 hs.

Una historia sencilla. The strainght story, (G.B.-EEUU-Francia. 1999)

Producción: Alain Sarde, Mary Sweeny y Neal Edelstein. Guión: John Roach y Mary Sweeny. Intérpretes: Richard Farnsworth, Sissy Spacey, Harry Dean Stanton, John Farley, Everet MvGill Jane Galloway Heltz, Joseph A. Carpenter. Duración: 111 min.

Un anciano recibe la noticia de que a su hermano enfermo, con el que no habla desde hace 10 años, le queda poco tiempo de vida. Sin la posibilidad de ir en auto, ya que no tiene licencia de conducir, se monta en el tractor de su cortadora de césped para cumplir con el deseo de volver a verlo.

18/11 - 18 hs.

El camino de los sueños. Mullholland Drive, (EEUU-Francia. 2001)

Productor: Alain Sarde, Mary Sweeny, Neal Edelstein, Michael Polaire. Guión: David Lynch. Intérpretes: Naomi Watts, Laura Elena Harring, Justin Theroux, Ann Miller, Michael J. Anderson, Dan Hedaya, Angelo Badalamenti, Maya Bond, Melissa George. Duración: 145 min.

En Hollywood, por la noche, una mujer joven se vuelve amnésica después de sufrir un accidente de auto en la carretera de Mulholland Drive. A posteriori conoce a una actriz australiana que acaba de llegar de Los Ángeles. Con su ayuda intentará recuperar la memoria y la identidad.

23/11 (Cap. 1), 24/11 (Cap. 2-3-4) y 25/11 (Cap. 5-6-7)- 18 hs.

Twin Peaks (La primera temporada) (EEUU-Francia, 1990)

De Mark Frost y el director nominado tres veces al Premio de la Academia, David Lynch, llega la oscura serie de misterio y suspenso, salvajemente imaginativa, que se convirtió en uno de los eventos televisivos más aclamados de la historia. Tras el brutal asesinato de la joven Laura Palmer, el agente Cooper (Kyle MacLachlan) descubre que el pequeño pueblo bulle con secretos mortales y pasteles de cereza homicidas. Luego, Cooper interpreta un inusual sueño acerca del asesinato, se toma un té con Lady Log, encuentra en los bosques una escena del crimen realmente macabra y se decide a resolver el misterio.

Un agradecimiento a Andrés Fevrier, autor del blog Cinematófilos, que me acercó la información.

Fotogramas de noticias IV

2007-10-19T13:05:00.000-03:00

COPPOLA DESTROZO A PACINO, DE NIRO Y NICHOLSON

Francis Ford Coppola (uno de los más grandes en lo suyo), le pegó fuerte, directo y sin vueltas a Al Pacino, Robert De Niro y Jack Nicholson (tres de los más grandes en lo suyo). "Apáticos", fue lo más amable que les dijo, en una entrevista que le dio a la revista norteamericana GQ.

Dijo de ellos, entre otras cosas:

"No siento que mantengan la pasión respecto de su profesión. Ahora, viven de rentas".

"Pacino es muy rico. Un poco por lo que ganó y otro poco porque nunca gasta dinero... sólo lo guarda en su colchón".

"De Niro se inspiró profundamente en Zoetrope, mi productora, y creó Tribeca, que lo convirtió en una persona rica y poderosa, aunque de trascendencia insignificante".

"En cuanto a Nicholson, se pasa el tiempo en fiestas de Hollywood, con directores y personas importantes, aunque creo que ya ni aceptaría un papel que le guste".

Coppola también se dio un margen para cambiar de continente y pasar a Europa. Sobre el cada vez más completo actor español Javier Bardem dijo:

"Tiene la capacidad de buscar proyectos que le suponen nuevos retos".

Imperdible: un Chaplin nunca visto

2007-10-17T10:33:00.000-03:00

Con una gripe que vuelo, pocas son las ganas que tengo de estar levantado y, mucho menos, escribir. Así las cosas, el material que me hizo llegar mi querido Martín Voogd (autor del blog Ese es el tema) es la excusa ideal para hacer una entrada que no requiera más de cinco minutos de mi tiempo. Se trata de un material inédito e íntimo del genialísimo Charles Chaplin, sobre quien ya escribí profusamente aquí mismo. Ahora me limito a dos cuestiones:
1) Contar que se trata de una filmación no comercial en la que hace imitaciones de algunas personalidades.
2) Referir al link del diario El País de España, que es el medio que publicó la nota explicativa y algunos segundo de esa cinta. Para disfrutarla, basta con hacer click aquí.

Por último, gracias Martín.

En el día del blog por el medio ambiente... Serrat

2007-10-15T19:02:00.000-03:00

Curiosamente, en dos entradas consecutivas se da que no abordo de manera directa el tema del cine. No importa. Hoy prefiero sumarme al llamado "Blog Action day", que este año apunta a tomar conciencia sobre el calentamiento global y al desastre que se está haciendo con el medio ambiente. ¿Servirá? No sé... pero que todos aquellos que tenemos un blog al menos movamos un cabello, es algo, alguito...

Elijo música y no el fragmento de una película porque casi automáticamente cuando me movilicé con el tema me vino a la cabeza "Pare" (Padre), aquel conmovedor tema de Joan Manuel Serrat escrito en 1973 que integra el por entonces long-play "Per al meu amic", totalmente cantado en catalán. Allí, Serrat -quien precisamente hoy recibió la insignia de Caballero de la Orden de la Legión de Honor de la República Francesa- pintó el desastre que comenzaba a avecinarse en la voz y el sentimiento de un hijo dirigiéndose al padre.

Subtitulado y con Ricard Miralles al piano, mi admirado Serrat en este día bloggero por el medio ambiente. Ya habrá tiempo para escribir sobre cine...

Los Pumas no son los 300 espartanos

2007-10-12T22:26:00.000-03:00

Estamos en tiempos de "Pumas". Un altísimo porcentaje de argentinos habla por estos días de drops, trys y scrums como si lo hiciera de saques de arco, laterales o goles, aunque no entienda nada de nada de los primeros tres conceptos. Vale... al fin y al cabo, cuando Guillermo Vilas "inventó" el tenis en los 70, también se hablaba de games, sets y match point con absoluta naturalidad. En el caso del tenis sobrevivió al efecto de la "Gran Willy" y hoy es un deporte medianamente (sí, sólo medianamente) popular, cuando antes salir a la calle con una raqueta era mal visto... algo así como cosa de señoritas.

¿A qué viene esta introducción? A que estoy un poco harto del "efecto Pumas", no de los Pumas, entiéndase. Ellos no tienen la culpa de que en la radio se escuche una publicidad tal como: "Sienten el Himno como nadie... lo honran como pocos". ¡¡¡¡Puajjjj!!!! Parece que sentir el Himno como nadie es cantarlo abrazados o que honrarlo es pegarle un patadón a una pelota ovalada y sacarla de la cancha. Cuestiones comerciales, obvio. Y también quito del medio aquí a los Pumas, que probablemente lo canten así como un modo de darse fuerza ante el hecho de encarar un deporte que dos minutos más tarde los llevará a que deban soportar la embestida de una mole de 120 kilos. Nada fácil, por cierto.

Ahora... ahora... ahora... de allí a hacer de estos muchachos una suerte de héroes nacionales porque avanzan en una competencia internacional, es como demasiado. ¿El rugby es duro? ¿El rugby requiere fuerza física y sacrificio? ¿El rugby pide coraje y aguante? ¿El rugby necesita en esencia a tipos que no lloren al menor contacto físico ni simulen lesiones cuando no las hay? Sí... sí y sí a todas esas preguntas y a decenas más.

Pero paremos un poco... ellos eligieron este juego. No fueron sometidos por nadie a practicarlo ni son víctimas de nada. Por el contrario, se llevarán unas cuantas decenas de miles de dólares tras su paso de algo más de un mes por Francia, muchísimo más de lo embolsará a lo largo de toda una vida un obrero que se levanta a las 6 de la mañana en Paso del Rey, viaja en el Sarmiento como un animal (no un "puma", precisamente) para llegar a Once, abordar un colectivo, trabajar horas en pésimas condiciones y hacer el camino inverso cuando cae el sol. Paro y me pregunto... ¿ese tipo no honra al país?

En fin... así las cosas y con las camisetas de los Pumas agotadas a 230 pesos cada una en los locales de venta de ropa deportiva, con otra publicidad que habla de "Quince animales con corazón de caballero", habrá que ver si una vez terminado el Mundial alguien se movilizará a ver Hindú- Universitario o SIC-Alumni. Una reflexión antipática para estos días, pero es lo que siento ante esta comparación tácita que se hace entre Los Pumas (cuya imagen en la camiseta en realidad es la de un yaguareté) y los 300 espartanos encabezados por el Rey Leónidas que soportaron hasta donde pudieron el ataque persa en la llamada Batalla de las Termópilas.

Vuelta a ser llevada al cine hace no mucho tiempo (ya había sido filmada en 1962), vamos con un trailer de este filme basado en un comic y otro con imágenes de Los Pumas acompañadas con una música nada épica como la que sonoriza todo lo que se ve de ellos por estas horas y que -quizás- los coloca un poco más en el lugar que realmente ocupan: juegan al rugby. Ni ejemplos para todos los argentinos, ni el norte de nuestra conducta moral, ni el faro que debe iluminar nuestra ética, ni los únicos 15 tipos que honran al país. Nada más, juegan al rugby. Tan simple como eso.

Por último, ojalá mañana le ganen a Sudáfrica y después repitan ante Francia o Inglaterra, los otros semifinalistas. Así serán campeones del mundo, un gran logro deportivo, pero no los protagonistas de una gesta histórica sin par. De no ser así, todo bien... lo que hicieron hasta acá ya fue muy bueno. Felicitaciones...

Diosas del cine VII/ Charlize Theron, la más sexy

2007-10-11T20:18:00.000-03:00

Estaba en carpeta la chica. Ahora, la excusa llegó servida en bandeja para retomar esta sección "Diosas del cine" que estaba un poco olvidada desde Monica Bellucci. Cuestión que la bellísima sudafricana Charlize Theron fue elegida por la revista estadounidense "Esquire" como la mujer más sexy del mundo, destronando a la nada feúcha Scarlett Johansson, ganadora de la encuesta en 2006 y ahora relegada al tercer puesto. Segunda, en esta nueva edición, quedó la también actriz Jessica Biel.

Si bien es cierto que este tipo de encuestas y elecciones tienen un altísimo grado de liviandad, tilinguería y demás términos similares (¡¿quién puede decir seriamente Fulana es la más sexy del mundo?!), la idea es tomarlo como un juego y nada más. Claro que pocos se atreverían a poner en tela de juicio la belleza de Charlize, lo cual justifica ampliamente este espacio. Y tiene un plus la niña... es una artista con todas las letras. Recuerdo que cuando la vi en "Monster" (Oscar 2003 a la mejor actuación femenina) no podía creer que fuera ella, por el modo en que se deformó físicamente para cumplir el papel. Sintetizando: una actriz capaz de ponerse al servicio del personaje y no al revés, como muchas veces sucede.

Bien... aquí va entonces una galería de fotos en video y una sucesión de besos de Charlize en diferentes películas y con diversos galanes, incluyendo un "apenitas" con Penélope Cruz en "Juegos de mujer" ("Head in the cloudes"). Quien quiera vez el beso completo con la española (otra candidata a "Diosas...") lo encontrará sin problemas en el infinito aunque accesible mundo de internet. Salvando las distancias por el contexto artístico, este segundo video es algo así como el legado que Alfredo (Philippe Noiret) le deja a Salvatore adulto (Jacques Perrin) en la inolvidable "Cinema Paradiso".

5 Frases de cine 5/ VI

2007-10-10T19:57:00.001-03:00

"Un actor es una persona que no te escucha a menos que estés hablando de él".

Marlon Brando

"Con un buen guión puedes hacer una película buena o una película mala. Con un mal guión sólo tendrás películas malas".

Akira Kurosawa

"El misterio es el elemento clave de toda obra de arte".

Luis Buñuel

"Yo puse en 'Toro salvaje' todo lo que sabía, todo lo que sentía, y pensé que eso sería el final de mi carrera. Es lo que se llama un film kamikaze: se pone todo dentro, se olvida todo y después se intenta encontrar otra manera de vivir".

Martin Scorsese

"Vender un producto como yo me parece una obra maestra".

Santiago Segura

Newman-Redford y el paso de los años

2007-10-08T17:38:00.000-03:00

Paul Newman (derecha, hoy) y Robert Redford (izquierda, hoy), quienes conformaron una de las parejas más recordadas de Hollywood, tenían previsto volver a actuar juntos. Y a pesar de que el guión de "A Walk in the Woods" ya estaba terminado, el proyecto fracasó en el último minuto.

"Lamentablemente no lo haremos. Compré los derechos hace cuatro años y no podíamos decidirnos sobre si estábamos demasiado mayores o no. Entonces dijimos: 'Ok, hagámoslo'. Pero el tiempo pasó y Paul envejeció rápidamente", dijo Redford, de 70 años, sobre su amigo, de 82, a la revista Playboy.

"De alguna manera, su situación fue cuesta abajo. Hace dos meses me llamó y me dijo: 'Tengo que retirarme'. Ya teníamos el guión y todo. Me parte el corazón", añadió el actor y director. Newman y Redford triunfaron juntos en varias películas, entre ellas, "Butch Cassidy and The Sundance Kid" (1969) y "El golpe" (1973).

Son (no fueron) dos grandes actores, de esos que son capaces de iluminar la pantalla con su sola presencia, además de haber despertado pasiones en el público femenino. El paso del tiempo hace que, lamentablemente, una pareja actoral que funcionó a la perfección no pueda volver a juntarse. Una lástima. Una auténtica lástima...

Acompaña el trailer de "El golpe".

Música y cine V/ Qué mundo maravilloso

2007-10-05T07:38:00.000-03:00

Es una de mis canciones favoritas. No sólo del cine, sino que recurro asiduamente al CD de Louis Armstrong que tengo en casa para escucharla. Se trata de "Qué mundo maravilloso" o "What a wonderful world", como se prefiera. El tema, precioso de por sí y engalanado con la voz cascada de quien fuera uno de los más grandes trompetistas de la historia, sirvió para musicalizar una muy buena secuencia de montaje de "Buenos días Vietnam". La película, interpretada por Robin Williams, muestra algunos "deslices" ideológicos tan comunes a los estadounidenses, pero igualmente me pareció muy buena.

La ironía de la canción en contraposición con las imágenes que se muestran funciona a la perfección y es uno de los momentos más logrados del filme. Igualmente, no viene al caso aquí ahondar en detalles de la película, estrenada hace tantos años (1987) que lejos está de merecer un abordaje en esta entrada. La idea es ver la secuencia y disfrutarla. La idea es escuchar la música y disfrutarla. Un pedido de disculpas por el remate de la imagen en italiano de la voz de Williams, pero es lo que había. Paciencia...

El bonus de esta entrada se lo agradecemos a mi querido Martín Voogd (autor del blog amigo "Ese es el tema", entre otros) y tiene que ver con una demostración fantástica de un "hacedor de sombras chinas" (¿cómo se les dirá a los tipos que hacen estas cosas?) que él me mostró y yo reproduzco aquí. Im-per-di-ble...

Fiesta del mejor cine soviético

2007-10-03T15:16:00.000-03:00

Octubre... Un mes bastante especial en la historia de la ex Unión Soviética.
Octubre... El mes que eligió el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) para lanzar un ciclo de cine es-pec-ta-cu-lar. Se trata del ciclo "Marea Roja, seis décadas de cine soviético". Y aquí va la programación completa de esta fiesta (más que festival) de los grandes realizadores de aquella poderosa nación. Habrá que ir a ver lo más que se pueda. Vale la pena...

Jueves 4

16:00 El acorazado Potemkin, de Sergei Eisenstein
18:00 Corto: Sergei Einsenstein*
18:30 La balada del soldado, de Grigori Chukhrai

Viernes 5

14:00 Caballos de fuego, de Sergei Parajanov
16:00 Pirosmani, de Giorgi Shengelaya
18:30 El cuarenta y uno, de Grigori Chukhrai

Sábado 6

14:00 La balada del soldado, de Grigori Chukhrai
16:00 El hombre del fusil, de Sergei Yutkevich
20:30 Pirosmani, de Giorgi Shengelaya

Domingo 7

14:00 Huelga, de Sergei Eisenstein + MV
15:30 El acorazado Potemkin, de Sergei Eisenstein + MV
22:30 Octubre, de Sergei Eisenstein + MV

Jueves 11

16:00 El comisario político, de Aleksandr Askoldov
18:00 Cortos: El prado de Bezhin, de Sergei Eisenstein*
18:30 El cuarenta y uno, de Grigori Chukhrai

Viernes 12

14:00 Lenin en octubre, de Mikhail Romm
16:00 Lenin en 1918, de Mikhail Romm
18:30 Tres canciones para Lenin, de Dziga Vertov

Sábado 13

14:00 Octubre, de Sergei Eisenstein
16:00 La caída de San Petersburgo, de Vsevolov Pudovkin + MV
20:20 La madre, de Vsevolov Pudovkin (foto) + MV
22:00 Tempestad sobre Asia, de Vsevolov Pudovkin + MV

Domingo 14

14:00 La tierra, de Aleksandr Dovzhenko +MV
15:20 La línea general, de Sergei Eisenstein +MV
22:30 El acorazado Potemkin, de Sergei Eisenstein

Jueves 18

16:00 El fascismo al desnudo, de Mikhail Romm
18:00 Corto: Sergei Eisenstein*
18:30 Pasaron las grullas, de Mikhail Kalatozov

Viernes 19

14:00 ¡Que viva México!, de Sergei Eisenstein
16:00 Alejandro Nevsky, de Sergei Eisenstein
18:00 Corto: La fiebre del ajedrez, de Vsevolov Pudovkin*

Sábado 20

14:00 El diputado del pueblo, de Iosif Khejfits y Aleksandr Zarkhy
16:00 El comisario político, de Aleksandr Askoldov
20:30 Iván el terrible, de Sergei Eisenstein
22:30 Iván el terrible 2da parte – La conspiración de los boyardos, de Sergei Eisenstein

Domingo 21

13:30 Pasaron las grullas, de Mikhail Kalatozov
15:10 La carta no se envió, de Mikhail Kalatozov
22:30 Todos los soldados eran valientes, de Mikhail Romm

Jueves 25

16:00 La infancia de Iván, de Andrei Tarkovski

Viernes 26

14:00 El tema, de Gleb Panfilov
16:00 La pequeña Vera, de Vasili Pichul

Sábado 27
14:30 Solaris, de Andrei Tarkovski

MV: Música en vivo
Entrada General: $9. Estudiantes, jubilados y menores de 12 años: $4.5
* Entrada libre y gratuita hasta completar la capacidad de la sala.

Con click aquí, detalles de las obras que se exhibirán, en la página del Malba

Encuesta II/ A dos días del cierre

2007-10-03T07:29:00.000-03:00

A votar... a votar..! Faltan dos días para el cierre de esta segunda encuesta. La premisa es:

Te confinan en una isla, te dan TV y DVD y te permiten llevarte

la filmografía de cinco directores de esta lista...

En una reñida elección, hasta ahora marcha al frente Francis Ford Coppola, con el 56% de los votos. Pegaditos, Woody Allen y Federico Fellini (50%) y un poquito más atrás vienen Alfred Hitchcock y Quentin Tarantino (43%). Ultimo, cómodo y sin un solo voto, Luis Buñuel. Veremos cómo termina. Arriba, a la derecha, bien visible.

Diálogos, monólogos y frases de película I

2007-09-29T19:02:00.000-03:00

Jack Lemmon y Tony Curtis huyen de la mafia disfrazados de mujer e incorporándose a una banda de música. Allí conocen a la sexy e inocente Sugar Kane (Marilyn Monroe). Así empieza "Una Eva y dos Adanes" (Billy Wilder, 1959), una de las más divertidas y famosas comedias de la historia del cine. Una obra maestra cuyo delirante diálogo final entre el personaje de Joe E. Brown (enamoradísimo) y el de Jack Lemmon (quien ya no sabe qué hacer para evadir la propuesta matrimonial de aquél) le pone un broche de oro a una película gloriosa, que en España fue conocida como "Con faldas y a lo loco" y cuyo título original es "Some like it hot". El diálogo es el siguiente:

Joe E. Brown
Hablé con mamá. Estaba tan contenta que hasta lloró.
Quiere que lleves su vestido de novia. Es de encaje blanco.

Jack Lemmon
Osgood, no puedo casarme con el vestido de tu mamá.
Seguro que ella y yo no tenemos el mismo tipo.

Joe E. Brown
Podemos arreglarlo.

Jack Lemmon
Oh, no hace falta. Osgood, he de ser sincera contigo.
Tú y yo no podemos casarnos.

Joe E. Brown
¿Por qué no?

Jack Lemmon
Pues, primero porque no soy rubia natural.

Joe E. Brown
No me importa.

Jack Lemmon
Y fumo. ¡Fumo muchísimo!

Joe E. Brown
Me es igual.

Jack Lemmon
¡Tengo un horrible pasado!. Desde hace tres años
estoy viviendo con un saxofonista.

Joe E .Brown
Te lo perdono.

Jack Lemmon
Nunca podré tener hijos.

Joe E. Brown
Los adoptaremos.

Jack Lemmon
No me comprendes, Osgood (Se quita la peluca). Soy un hombre.

Joe E. Brown
Bueno, nadie es perfecto.

Música y cine IV/ Los Beatles

2007-09-27T09:28:00.000-03:00

Para mí, Los Beatles fueron la mejor banda de música de la historia. Opinión absolutamente personal, obvio. Hablar de la revolución social que provocaron en los 60 es tan obvio como lo anterior y tanto como que el cine no iba a dejar pasar la oportunidad de utilizar su música y sus figuras para llevarlos a la pantalla grande. Rédito asegurado.

EL DINERO NO PUEDE COMPRARME AMOR (Anochecer de un día agitado)

Desde hace unos días vengo recopilando material para una entrada "beatlemaníaca", y ayer el Festival de Cine de San Sebastián me dio la excusa justa para concretarla, ya que se presentó una versión restaurada desde lo visual y lo auditivo de "¡Help!", que tuvo como plus la presencia del director de aquella película rodada en 1965, el norteamericano Richard Lester.

DEBES ESCONDER TU AMOR (¡Help!)

Esta fue la segunda película del cuarteto y no vale la pena ahondar en análisis de guión, encuadre, vestuario y -mucho menos- actuaciones, aunque la reseña técnica y una breve sinopsis pueden verse pinchando aquí. Un año antes, con el mismo director, se había filmado "Anochecer de un día agitado", para la cual tampoco se justifica entrar en profundos análisis. Ambas fueron sólo una excusa para que el público pudiera escuchar y ver a Los Beatles y para que los productores se llenasen los bolsillos. Los dos objetivos fueron hartamente cumplidos.

FRUTILLAS (Gira mágica y misteriosa)

El fracaso (el único que conocieron los chicos de Liverpool en su carrera) llegó de la mano de lo audivisual en 1967 con "Gira mágica y misteriosa", en realidad más una producción para la BBC de Londres que una película propiamente dicha, fogoneada por Paul McCartney y dirigida y producida por ellos mismos. La crítica destrozó la realización, más allá de la calidad musical.
Llegó 1968 y otra vez la industria recurrió al grupo, pero esta vez para hacer un filme de ... dibujos animados. Se trataba de "El submarino amarillo". El director fue George Dunning y el filme, de 55 minutos de duración, desbordaba colores y psicodelia -tan comunes en esa década- tanto como música excelente, claro... eso estaba garantizado.

HOMBRE DE NINGUN LUGAR (El submarino amarillo)

Finalmente, en 1969, llegó el turno de "Let it be", una suerte de documental que mostró la interna de los ensayos de un grupo que comenzaba a disolverse, tal como ocurriría meses después. Lo más interesante aquí está puesto en el modo en que se advierten las diferencias entre los miembros de la banda y el inocultable fastidio que se notaba entre algunos de ellos, más la presencia irritante en todo momento de la flamante mujer de John Lennon, la japonesa Yoko Ono. Una perla de esa película: el improvisado recital dado en la terraza de los estudios Apple, que revolucionó el barrio londinense donde se encontraba.

¡Basta! Acompaño la entrada con cinco clips, uno por película. Total... es gratis. Además, nunca está de más escuchar y ver a John, Paul, George y Ringo. ¡A gozar..!, como diría mi amigo Eduardo San Pedro.

RECITAL EN LA TERRAZA DE APPLE (Let it be)

Encuesta II/ Directores

2007-09-25T23:01:00.001-03:00

Vamos con otra encuesta. A mí me divierten. En este caso la elección pasa por los grandes directores de la historia del cine. La lista para elegir es extensa (podría serlo muchísimo más), pero bueno... hay opción para elegir a cinco de ellos. Vamos a ver quién termina al frente de los favoritos. En la anterior noté que hay un problema con el color de las letras y el fondo, que no sé cómo solucionar. Igualmente, si se pinta con el cursor la "tabla de posiciones", se ve perfectamente.

Recordamos la anterior en cuanto a preferencias por nacionalidad o región.

1) Estados Unidos, 12 votos, 57%.
2) Francia, 6 votos, 28%.
3) Italia y España, 4 votos, 19%.
5) Argentina, Latinoamérica, Oriente y otros, 2 votos, 9%.

Abrimos la encuesta nueva, entonces. Arriba, a la derecha, bien visible.

A Michi le encantaba el cine

2007-09-24T11:15:00.000-03:00

Esta entrada remite a dos preguntas clave: 1) ¿Qué tendrá que ver lo que voy a escribir con un sitio de cine? y 2) ¿Si no escribo de lo que quiero en mi propio blog, dónde voy a hacerlo? Así que después de dudar un poco (muy poquito) aquí voy... a escribir de lo que quiero... en realidad de lo que siento.

El sábado que pasó, a las 12.36 del mediodía, un gran hombre llamado Néstor Ruiz partía de este mundo. Tenía 75 años. Para todos quienes lo tratamos era, simplemente, "Michi". Periodista de alma a punto tal que nunca me lo imaginé haciendo otra cosa, me tocó conocerlo allá por 1983, cuando él era subdirector de Diario Popular y yo un chico de 22 años que hacía sus primeras armas en el periodismo, en la sección Deportes. Por cuestiones internas del diario, me pasaron a Redacción General, lo que equivalía a decir bajo su órbita directa.

Al principio (cosa que con el tiempo le conté) le tenía miedo. Era gritón, se ofuscaba con gran facilidad, le subían los colores a la cara cuando la nota que se le presentaba no era tan correcta como debía y no andaba con chiquitas a la hora de retar ante una macana. Yo, tembloroso, le llevaba mis notas escritas en Olivetti (la computación no existía) y mientras él la leía yo lo pispeaba para ver qué "decía" su cara. Por suerte, parece que mi estilo le gustaba y no debía soportar demasiadas reprimendas. Dije demasiadas, que quede claro.

El contacto laboral se fue intensificando y casi sin darme cuenta pasé a estar bajo su ala. "Quiero que aprendas todo de este oficio", me dijo una vez minutos después de una medianoche frente al tablero de armado de páginas. Y agregó: "El periodismo no es sólo escribir bien..." Tenía razón. Trabajando cerca suyo no sólo mejoré mi redacción, sino que aprendí a diagramar, a hacer los cierres en el taller de armado, a seleccionar noticias, a priorizarlas debidamente, a titular, a elegir fotografías y decenas de actividades más.

A medida que el "maestro" hacía su trabajo, el alumno lo miraba, incorporaba conocimientos periodísticos, se nutría. Hasta que una noche (no recuerdo cómo fue) me "eligió" y allí estaba yo, sentado a la mesa de un restaurante del Centro de su amada Buenos Aires junto a él y sus otros "elegidos", que no eran tantos. "Trabajo con quien puedo, como con quien quiero", solía decir. Voy a mencionar a dos de esos que él eligió: Rogelio "Roly" Marín y Luis Moreiro.

Imposible contar todo lo sucedido y compartido entre estas cuatro personas desde entonces. Tampoco viene al caso. Alcanza con recordar cientos de sanas trasnochadas, charlas sobre cualquier tema menos trabajo, copas de vino y champán haciendo chín-chín, entrañas a la parrilla, ensaladas, sorrentinos, carcajadas, peleas, discusiones y la mar en bote para sintetizar un mundo de vivencias infinitas. El tiempo transcurrió, cambiamos de medios laborales, estuvimos en redacciones distintas, después volvimos a coincidir en un diario, revista o lo que fuere, pero lo que se mantuvo inalterable fue la amistad.

Podría escribir infinidad de líneas acerca de esta historia y el dolor que produce el adiós, pero hay que ir cerrando. Lo haré sencillamente diciendo que "Michi" fue un hombre esencial en mi vida, tanto profesional como personal. Fue y lo seguirá siendo. Ahora nos queda a Roly, a Luis y a mí continuar juntos el camino que hasta el sábado transitamos con él. Como bien dijo Roly apenas minutos después que lo despedimos: "Nunca nos dijo que teníamos que estar unidos y mirá cómo nos unió".

Así fue "Michi". Enseñaba sin poner el dedo duro, transmitía sin hacer discursos, ofrecía sin esperar nada a cambio, exigía a quién sabía que podía responderle. Duro y tierno a la vez, simpático y cabrón, calentón y sereno cuando hacía falta escuchar la palabra precisa, dejó su impronta marcada a fuego en todos aquellos que tuvimos el privilegio de compartir su mundo.

¿Qué tiene que ver todo esto con este sitio web? ¡Ah... sí! A "Michi" le encantaba el cine. ¿No es un motivo más que suficiente para que ocupe un lugar en mi blog?

En la foto Michi, Roly, Héctor y Luis, el 21 de febrero de 2007.

¡Salud, viejo..!

5 Frases de cine 5/ V

2007-09-21T23:13:00.000-03:00

"Lo fascinante del cine es colocar al espectador en posiciones morales en las que nunca estuvo".

Alex de la Iglesia

"Un director de cine es un lector de las normas de tránsito. Un buen director de cine es un buen interpretador de un guión bueno. Y un gran director de cine es el que sabe ofrecer una visión distinta del mundo".

Bette Davis

"Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa. Debajo tiene una bomba a punto de estallar. Él lo ignora, pero el público lo sabe... eso es suspenso".

Alfred Hitchcock

"En Hollywood te pueden pagar 1.000 dólares por un beso, pero sólo 50
centavos por tu alma".

Marilyn Monroe

"Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta".

Orson Welles

Aquel plano secuencia de Orson Welles

2007-09-19T10:51:00.000-03:00

Punto 1: Decir que Orson Welles fue un genio es una obviedad.

Punto 2: Explicar qué es un plano secuencia quizás lo sea para muchos, pero seguramente no lo será para otros, más allá de que sean amantes del cine. Me apoyo entonces en mi ex profesor de Semiótica del Cine, Eduardo Russo, quien en su más que didáctico libro "Diccionario de cine" definió (en realidad yo sintetizo su definición) al plano secuencia así:

"Intenta desarrollar a lo largo de una sola toma, variando encuadres por medio de movimientos de cámara o zoom, una acción íntegra tan prolongada como para que pueda considerarse una secuencia completa".

Bien... con este punto debidamente aclarado, quiero evocar el plano secuencia inicial de "Sed de mal", conocida en otras latitudes como "Sombras de mal", aunque su título original es "Touch of Evil". Filmada en 1957, Welles no necesitó hacer ningún corte para lograr este plano secuencia, que mereció que mucho se hablara acerca de si se trata del mejor comienzo de una película en la historia. Esto es difícil aseverarlo, pero sí me animo a aconsejar a quienes nunca vieron la escena que presten cinco minutos de su tiempo para verla. Y a quienes la vieron... es un buen momento para refrescarla. Una joya...

PD bloggera: La realización de un plano secuencia conlleva grandes dificultades de iluminación, encuadre, enfoque, movimiento de cámara y ni hablar de la perfección con que deben manejarse los actores. Por mencionar sólo algunas cuestiones. En síntesis, no es para cualquiera.

Acerca del guión IV/ Motivo, gestión y objetivo

2007-09-18T07:10:00.000-03:00

En la entrada anterior sobre el tema (ver Etiquetas/Guión), dejé abierta la puerta para analizar motivo, gestión y objetivo de los personajes. Como bien dicen Espinosa-Montini en su libro, "no podemos hablar de conflicto ni de oposición de fuerzas sin referirnos al motivo, gestión y objetivo". Y de esta premisa me tomo para ampliar conceptos sobre el tema. Para empezar, un ejemplo bien cotidiano y no necesariamente cinematográfico:

Mi hija cumple 15 años y su sueño es tener una gran fiesta para vivir su noche de princesa. Sin embargo, no cuento con el dinero necesario para hacerle el regalo que quiere y merece, a partir de lo cual comienzo a ver de qué manera puedo juntar la plata. Pido prestado a amigos y familiares, solicito un crédito en un banco, le cuento a mi hermano (el padrino) y él me ofrece 200 dólares que tiene guardado, busco un salón y un servicio de lunch más económico, etc. En medio de todas esas tentativas, algunos me podrán dar algo, otros me dirán que no, el primer banco me niega el crédito, el segundo me lo concede. Y así se irán eslabonando los hechos y sorteando las dificultades, hasta que finalmente llego y la "nena" tiene su festejo quinceañero.

Entonces, aquí tenemos...

MOTIVO: Se acercan los 15 años de mi hija.
GESTION: Todo lo que hago para conseguir el dinero.
OBJETIVO: Regalarle la fiesta que ella quiere.

El motivo responde al por qué el personaje hará lo que hará a lo largo de la película. Es lo que pone en movimiento la historia dramática y lo que lleva al espectador a involucrarse con el protagonista.

La gestión responde al modo en que el protagonista accionará, durante la cual encontrará trabas, complicaciones, barreras y demás inconvenientes, lo cual le dará forma al imprescindible choque de fuerzas que enriquecerá y mantendrá con vida al conflicto.

El objetivo responde al resultado que obtendrá el personaje tras la gestión. El autor elegirá si alcanza la meta fijada o no. Eso no importa. Lo esencial es la resolución del nudo de la historia planteada, lo que nos llevará al final del filme.

Tomemos entonces una reciente película: "El ultimátum de Bourne" (The Bourne ultimatum), de Paul Greengrass, protagonizada por Matt Damon. En Cinematófilos, el blog de Andrés Fevrier, se comenta la película y se da información técnica sobre la misma. Aquí, simplemente ejemplificamos con ese filme el tema que tocamos en esta entrada.

MOTIVO: Bourne sufre amnesia.

GESTION: Bourne seguirá las huellas de su pasado, recorriendo Moscú, París, Londres, Tánger y Nueva York mientras lo persiguen policías, agentes federales y la Interpol.

OBJETIVO: Descubrir realmente quién es y cuál es el origen de Bourne.

Volveremos a abordar en otras entradas el tema del

guión cinematográfico.

Encuesta I/ Preferencias por nacionalidad o región

2007-09-14T12:09:00.000-03:00

A votar... a votar en la encuesta que faltan cinco días. Arriba, a la derecha, bien visible y ya con resultados parciales. Por ahora, Estados Unidos marcha primero con el 56% de los votos. Segundo va Francia, con el 31%. Argentina está última junto al cine latinoamericano, oriental y otros, con un 12%. Veremos cómo termina.

Reitero que se puede elegir más de una opción.

Gracias

Diosas del cine VI/ Monica Bellucci

2007-09-13T19:08:00.000-03:00

Aún en cartelera con "Ricordati di me", la italianísima Monica Bellucci merecía su lugar en nuestras Diosas del cine. Bueno... aquí está. Con una imperdible y extraordinaria galería de fotos que recorre su historia, una tira de diapositivas en video y una brevísima toma de la película "Manual del amor", en el que la muchacha (con un curioso cambio de vestuario en la misma escena) enseña como estirilizar cualquier tipo de resistencia por parte de un hombre, basta y sobra para mostrarla en todo su esplendor, belleza y sensualidad.

Igual que todas las hermosas protagonistas que pasan por aquí, las virtudes no nacen y mueren en lo que les dio la naturaleza. Bellucci demostró a lo largo de su carrera ser una actriz en crecimiento. Seguramente no llegue a la altura de excelente, pero de lo que no hay dudas es que cada paso que fue dando la encontró en plena evolución. Además, no es de las que les quita el cuerpo a los desafíos difíciles: no cualquiera acepta hacer la escena de la violación de "Irreversible" (Gaspar Noé, 2002).

Cerrando, un dato que muchos tienen, pero que también comprobé en charlas informales que no todos conocen. A modo de pregunta, entonces: ¿Sabías que es una de las tres mujeres vampiros de la fantástica "Drácula" de Francis Ford Coppola, de 1992?

Fotogramas de noticias III

2007-09-12T11:46:00.000-03:00

POLANSKI DEJO POMPEYA

El director Roman Polanski se retiró de la superproducción "Pompeya" y los planes para filmarla quedaron ahora en suspenso, según informó el productor Robert Benmussa. El realizador polaco tomó la decisión ante el temor de que la filmación sea interrumpida por una posible huelga de actores en Hollywood, en el marco de un conflicto que involucra a los sindicatos de actores y de directores de Estados Unidos.

MARIBEL VERDU VUELVE AL SET

Maribel Verdú no para (acaba de estrena en Buenos Aires, "El niño de barro") y se prepara para protagonizar la nueva película del cineasta José Luis Cuerda, "Los girasoles ciegos", un drama cuyo rodaje comienza el próximo lunes 17 en Galicia, informó hoy la productora de filme . La película se basa en el libro del mismo título del escritor Alberto Méndez, que en 2005 obtuvo el Premio Nacional de Narrativa (post mortem) con esa obra, ambientada en la Guerra Civil Española (1936-1939) y el inicio de la postguerra.

HARRY POTTER, LA MAS TAQUILLERA

La saga cinematográfica de "Harry Potter" se convirtió en la más taquillera de la historia, superando a las populares series de "James Bond" y "La Guerra de las Galaxias". Las cinco películas de Potter recaudaron 4.470 millones de dólares en las boleterías de todo el mundo, dejando atrás los 4.440 millones de dólares embolsados por la serie de 22 películas del agente 007. En tercer lugar se ubicó la saga de tres filmes de "La Guerra de las Galaxias", con recaudaciones de 4.230 millones de dólares.

Aclaración personal: Yo no puse un solo peso

Encuesta I/ Preferencias por nacionalidad o región

2007-09-10T12:13:00.000-03:00

Bueno... acá vamos... inaugurando una encuesta. Es la primera y el tema es cuestión de gustos o preferencias acerca del tipo de cine, por nacionalidad o región. Se puede elegir más de una opción y me daría mucho placer que participes. Arriba, a la derecha y bien a la vista.

Fotogramas de noticias II

2007-09-10T07:26:00.000-03:00

REMAKE DE UN WESTERN MATADOR

La remake del western "El tren de las 3.10 a Yuma", de James Mangold, encabezó la lista de la taquilla este fin de Estados Unidos al recaudar 14,1 millones de dólares, desplazando a "Halloween 9" (10 millones) -un filme de terror estrenado la semana pasada- y la comedia para adolescentes "Superbad" (8 millones). Actúan Russel Crowe, Christian Bale y hay una participación de Peter Fonda. La versión original es de Delmer Daves y se estrenó en 1957.

PENELOPE SERA MARIA CALLAS

Todo está dado para que Penélope Cruz tal vez encarne a la cantante lírica griega María Callas, en un filme en el que el productor italiano Guido De Angelis quiere realizar la novela biográfica "Troppo fiera, troppo fragile", de Alfonso Signorini. De Angelis confirmó que ya contactó a la española. "Cuando Signorini me hizo ver el borrador de su libro, quedé fascinado. Es un bellísimo retrato de mujer y enseguida pensé en Penélope como protagonista ideal", dijo.

PREMIADOS EN DEAUVILLE

La película estadounidense "The dead Girl" (literalmente, "La chica muerta"), de Karen Moncrieff, protagonizada por Toni Collette y Piper Laurie, se adjudicó ayer el Gran Premio en el 33° Festival de Cine que se celebró en Deauville, Francia aquí. En tanto, el premio del jurado fue para "Never Forever", de Gina Kim, el Revelación Cartier para "Rocket Science", de Jeffrey Blitz, y el de la crítica internacional para "Grace is Gone", de James Strouse. Entre las estrellas presentes estuvieron Michael Douglas, George Clooney, Matt Damon y la siempre atractiva pareja de Brad Pitt y Angelina Jolie.

Música y cine IV/ Aretha y La boda de mi mejor amigo

2007-09-08T20:52:00.000-03:00

"La boda de mi mejor amigo" (My best friend wedding, 1997, P.J. Hogan) me pareció una comedia muy simpática. En Hollywood saben hacer estas cosas, no hay dudas. Buen guión, un casting súper atractivo, ritmo que no decae y algunas escenas puramente visuales y otras visuales y auditivas, bien condimentadas. Viene al caso entonces la de la comida de todo el grupo que rodea a los novios (Dermot Mulroney y Cameron Diaz) en los días previos a la boda sobre la cual gira la historia y que Julianne (Julia Roberts) quiere frustrar a toda costa, aunque con altura y discreción.

Mientras el amigo gay de Julianne, George (Rupert Everett, de gran actuación), intenta convencer a todos de que es el actual novio de ella, se "pasa" en su papel a la hora de contar cómo conoció a su supuesta pareja. Allí, entra a jugar el encanto de una de las canciones más hermosas de los '70, "Rezo una pequeña plegaria", que eternizara Aretha Franklin, dueña de una voz notable. Todos se enganchan a la hora de cantar, incluyendo a los comensales de otras mesas, menos la abochornada Julia Roberts. Vale verla, reverla y disfrutarla. Es una escena deliciosa.

Yapa: en el segundo video, la versión original de Aretha Franklin, en un show para la TV.

¡¡¡Qué voz, Dios... qué voz!!!

David Lynch, creador de climas (2º Parte y Final)

2007-09-06T13:12:00.000-03:00

Bueno... acá estamos con la segunda y -hasta ahora- última parte de la historia cinematográfica de David Lynch (aquí, enlace a su biografía, filmografía general y particular de sus películas). La primera se encontrará en la lista de etiquetas con el nombre del director.

Al retomar aquella entrada, debemos decir que entre la “Cabeza borradora” del ‘76 y “Una historia sencilla” del 2000 Lynch fue eslabonando títulos tales como “El hombre elefante” (1980), “Duna” (1984), “Terciopelo azul” (1986), “Corazón salvaje” (1990) y “Carretera perdida” (1996). Fueron precisamente estos tres últimos títulos los que reafirmaron alrededor de la imagen de Lynch el concepto del cineasta oscuro, sórdido, retorcido, a veces demoníaco, otras genial, pero siempre distinto, único, irrepetible e inimitable.

Maestro en el arte de generar atmósferas densas y pesadas, al igual que en “Cabeza borradora” el director no anduvo con medias tintas a la hora de buscar el estremecimiento. Así, introdujo al Jeffrey Beaumont (Kyle Mac Lachlan) de “Terciopelo azul” en un mundo de vicio, sexo y peligro a través de una oreja amputada y semidevorada por insectos. En “Corazón salvaje” eligió mostrar el banquete que un grupo de moscas se hizo con el vómito de la embarazada Lula Pace Fortune (Laura Dern) en un oscuro cuarto de hotel o la voladura de cabeza -en el más puro sentido literal del término- sufrida por Bobby Perú (Willem Dafoe) y provocada por su propia arma, con cerebro expuesto, bulbo raquídeo y buena parte de la columna vertebral a la vista y golpeando contra un muro.

Más atrás en el orden cronológico de su filmografía, los gusanos gigantes o las pústulas infectadas del barón Vladimir Harkonnen (Kenneth McMillan), simbolizando la corrupción, tuvieron su papel preponderante en “Duna”. Algunos detractores de la obra de Lynch ni siquiera perdieron la oportunidad de señalar que en su humanísima visión con que llevó al cine la tortuosa vida de John Merrick en “El hombre elefante”, encarnado por John Hurt, también abordó el tema de la deformidad que le produjo una neurofibromatosis aguda. Sin embargo, ante la sensibilidad y educación del protagonista, la premisa del filme era más que clara: ¿quién era el verdadero monstruo, el enfermo o las personas “sanas” que lo rodeaban?

Ejemplos, nada más que ejemplos de una manera de narrar por demás demostrativa y para nada complaciente y que revalidó en “Carretera perdida”, donde el sexo, el submundo de la pornografía, los crímenes, los celos y la ambición estuvieron a la orden del día.Volviendo al interrogante del principio de la primera parte: ¿Cambió David Lynch desde su primer largo a "Una historia sencilla"? Según sus propias palabras cuándo se le consultó por la cuestión: “Aunque a muchos le cueste creerlo, 'Cabeza borradora' fue mi película más realista, mientras que 'Una historia sencilla' es una ficción, igual que todas. Sólo que en lugar de hurgar en zonas tenebrosas, buceo en aguas un tanto más relajadas”.

En cuánto al hilo conductor entre un filme y otro, también es conveniente citar al director: “Me gusta provocar. Quiero que mis películas se conviertan en algo distinto y especial, que cambien la vida del espectador”. Y si de provocar se trata, Lynch eligió con “Una historia sencilla” el camino inverso. En tiempos en donde buena parte del cine se regodea con el sexo y la violencia, en esa ocasión Lynch se inclinó por el camino del amor -fraternal en este caso-, los altos ideales y la demostración de que el hombre puede lograr aquello que se proponga cuando el objetivo es claro.

El gran error a la hora de evaluar a Lynch sería quedarse únicamente con las aristas más morbosas de su tarea de realizador, ya que abordó desde diversas ópticas los aspectos más bajos, vulnerables, perversos, corruptos y bestiales del ser humano. Y tanto se metió con ellos, tanto escarbó hasta sus profundidades y tanto los exhibió fotograma a fotograma, que quizás allí esté el punto por el que ha generado tantos rechazos hasta la presentación de “Una historia sencilla”. ¿Será que más de uno se vio identificado, aunque más no sea parcialmente? Tal vez. Vale recordar que en la habitación de hospital que ocupaba el “impresentable” John Merrick, el médico que lo atendía había prohibido los espejos...

TRAS LO SENCILLO, LO COMPLEJO

Claro que un artista como Lynch no podía quedarse allí. Quizás fue por ello que tras la travesía del anciano para reencontrarse con su hermano, retomó sus pasos y se volvió a meter (y nos metió) en el intrincado mundo de Mulholland Drive o "El camino de los sueños". Nuevamente aquí nos hizo perder entre el mundo real y el onírico, en el desdoblamiento de personalidades, en la confusión entre quién es quién en la historia a tal punto de hacernos pensar y repensar una y mil veces quién es víctima y quién victimario.

Ahora... si alguien logró salir al menos por un minuto del derrotero de la película, por favor que me lo presenten. El clima es tan perfectamente logrado, la tensión tan tirante y las atmósferas tan asfixiantes y diáfanas al mismo tiempo, que es imposible escaparse del mundo que nos propone el director.

Faltan días apenas para que llegue la última obra de David Lynch, "Inland Empire" (parece que aquí se la conocerá como "Imperio"), sobre la que hace referencia mi amigo Andrés Fevrier en su recientemente estrenado y muy buen blog Cinematófilos. Dejo para quienes quieran saber algo más de esta producción remitirse a esa página. Apenas un aperitivo para los fanas de Lynch, mientras esperamos su estreno. Llegado el momento, nos ocuparemos de ella.

PD bloggera 1: No hay omisión acerca de "Twin Peaks". Sólo que al haber sido concebido como una serie para TV prefería obviarla más allá de su versión cinematográfica.

PD bloggera 2: Van trailers de "El hombre elefante", "Terciopelo azul", "Carretera perdida" y "El camino de los sueños". En este último caso, un sexy trailer.

Diosas del cine V/ Maribel Verdú

2007-09-05T07:06:00.000-03:00

Hoy, día de estrenos, le toca hacer su presentación en las pantallas a una coproducción argentino española con Maribel Verdú, la invitada a nuestra injustamente olvidada sección "Diosas del cine". A mi entender, el caso de la madrileña es emblemático desde el punto de vista de como se puede ser una mujer extremadamente sensual sin ser dueña de una cara que pueda considerarse hermosísima, ni de un par de lolas turgentes ni de una una cola parada y redonda como marcan los estereotipos de belleza de los tiempos que corren. Es, lo que se dice, una mujer armónica en su conjunto pero, fundamentalmente, es dueña de una actitud que invita desde hace años al ratoneo.

Fue "Y tu mamá también" la película que la llevó al trono de las elegidas entre el público masculino y/o femenino, según preferencias. Allí, le hizo levantar la temperatura cómo y cuántas veces quiso a los jovencísimos Gael García Bernal y Diego Luna, y a todos los espectadores que estaban cómodamente sentados, aunque cuando ella aparecía en escena ya no tanto.

No fue la única vez que la española se dio el gusto de jugar con las sensaciones ajenas, pero no se trata aquí de hacer una recorrida por su trayectoria. Sí podemos invitar a transitarla en imágenes en esta galería de fotos de diferentes épocas de Maribel y también compartimos un fragmento de su película-ícono. Allí, en medio de García Bernal y Luna, demuestra su poder explosivo compartiendo un baile con los chicos.

De yapa, aquí un reportaje que salió publicado días atrás en el vespertino La Razón y que le realizó mi compañero de redacción Javier Firpo. Allí, Maribel cuenta por qué creía que su carrera estaba acabada. Hubiera sido una lástima, más allá de que por propia decisión se alejó de los papeles sexys. Igual, ya dejó su legado...

Ah... la película que estrena hoy se llama "El niño de barro", que cuenta la historia del "Petiso orejudo", un chico de nuestras tierras que a principios del siglo pasado se convirtió en uno de los más tristemente célebres asesinos de la historia argentina.

5 Frases de cine 5/ IV

2007-09-03T07:36:00.000-03:00

"Cuento las cosas con imágenes, así que tengo que atravesar por fuerza esos corredores llamados subjetividad".

Federico Fellini

"El cine es un vehículo de expresión, pero no estoy muy seguro de que sea un arte".

Fernando Fernán Gómez

"Steven Spielberg y yo somos los únicos cineastas que podemos hacer lo que realmente queremos. Yo, porque tengo suerte con los negocios, y Steven Spielberg porque es un genio".

Francis Ford Coppola

"Nunca pensé en lo que hacía en términos de arte, o esto es grande o estremecedor, o cosas por el estilo. Para mí siempre fue un trabajo, que yo disfruté enormemente, y eso es todo".

John Ford

"Cuando contemplo una de mis viejas películas, sufro. Porque aquello que he podido hacer es muy inferior a aquello que yo hubiera querido hacer".

Luis Buñuel

"Ricordati di me", para sentir y pensar

2007-09-02T09:58:00.000-03:00

La de ayer fue una buena noche de cine, gracias a "Ricordati di me". Y si bien la idea original de este blog no es hacer críticas de películas tal como se las puede leer en diarios y revistas, sí está abierto el espacio para deslizar algunas reflexiones o análisis, como se prefiera.

Para comenzar, la película me gustó. Me gustó mucho. Logró mantener mi atención a lo largo de 122 minutos, lo cual de por sí no es cosa sencilla. No sólo mantuvo mi atención sino también mi tensión, ya que a medida que la historia avanzaba crecía mi curiosidad para ver en qué derivaba la historia de esa familia de clase media (puede parecer media-alta por el nivel de vida en Italia) metida en una serie de trampas sentimentales, laborales, vocacionales, sexuales, etc. Una familia que bien podría parecerse a la tuya o la mía, más allá de las variables y particularidades de cada una.

Un padre (Fabrizio Bentivoglio) hastiado del trabajo y su monótona vida familiar y frustrado en sus deseos de ser escritor, una esposa (Laura Morante) que debió cambiar sus juveniles sueños de actriz por una cátedra de docente y sus ilusiones de vivir junto a un hombre el amor conyugal por una rutina asfixiante, una sensual hija adolescente (Nicoletta Romanoff) dispuesta a hacer de todo por entrar en el frívolo mundo de la TV y un hijo (Silvio Muccino) en idéntica franja de edad que no sabe cómo conquistar a la chica que le gusta ni el respeto de sus amigos, que en realidad no son tales, son el núcleo de este muy bien llevado drama familiar. En medio de todo ello reaparece en la vida del padre una hermosa ex novia suya (Monica Bellucci), también empantanada en un matrimonio fracasado y con dos hijos por criar.

El recorrido dramático cuenta con un guión sólido (Gabriele Muccino-Marcello Daciano) y una dirección (el propio Muccino) que equilibra los tiempos necesarios para narrar este tipo de historias: sin apurarla y dejando tiempo para pensar en los momentos que así lo requiere y también acelerando cuando es conveniente para que el ritmo no decaiga. Las actuaciones son muy buenas y me animaría a definir la de Laura Morante como exquisita. Un aparte para la correcta participación de Bellucci: su personaje es vital dentro de la historia, pero su trabajo como actriz es sumamente secundario y acotado. De hecho, su preponderancia en los créditos responde más a "portación de apellido" e imán para el espectador que a su impronta artística en sí. Vale...

Para cerrar, dos reflexiones:

1) De un modo claramente definido, los integrantes de la familia en cuestión coinciden en un punto en común, como es sentir la autoestima baja, bajísima. Se percibe, incluso, que el mensaje de los guionistas es rotundo: cuando uno está mal e infeliz consigo mismo, sólo puede transmitir infelicidad. Luego de un suceso que cambia en un ciento por ciento el escenario dramático de la película, la premisa se vuelve directamente proporcional en sentido contrario. La autoestima individual, entonces, en primer lugar.

2) El plano final del filme (y cuando digo plano, digo plano, ni siquiera escena) reposiciona a la historia en el lugar exacto. Algo así como un premio final para el espectador, que se siente reconfortado al comprobar que las cosas no son tan fáciles como parecieron serlo en algún momento. Ese remate trajo a mi mente "Cuentos de otoño", de Eric Rohmer, donde también el plano final juega de una manera decisiva en la historia que vimos. Pero eso lo contaré en otra entrada más breve, porque vale la pena. Tanto como dedicarle una inminente "Diosas del cine" a Monica o ir a ver "Ricordati di me"...

Fotogramas de noticias I

2007-08-31T20:04:00.001-03:00

MAL TRAGO PARA CLOONEY

George Clooney, presente en Venecia para promocionar su último trabajo como actor en "Michael Clay ton", ópera prima de Tony Gilroy, en el que interpreta a un abogado que lucha contra las multinacionales, pasó hoy un muy mal momento al no saber qué responder a una pregunta sobre su compromiso con la firma Nestlé. En la película, Clooney es un mediador en una firma de abogados que se enfrenta a una multinacional, cuyos responsables ocultan a los ciudadanos que uno de sus productos estrella era cancerígeno. Cuando una periodista le preguntó en la rueda de prensa si podía explicar la incoherencia entre la interpretación de ese papel y el hecho de que él anuncie el producto "'Nespresso", propiedad de la firma Nestlé, una de las multinacionales más boicoteadas del mundo", Clooney perdió la sonrisa, tartamudeó y finalmente dijo: "No me voy a disculpar con usted por ganarme la vida de vez en cuando...". Segundos después, tras pensar brevemente agregó: " Realmente, no tengo una respuesta para usted a esa clase de pregunta irritante..."

DE PALMA ANTI-IRAK

El cineasta estadounidense Brian de Palma denuncia en su último film, "Redacted", proyectado hoy en Venecia, los excesos de Estados Unidos en la guerra de Irak y la censura de los medios de comunicación norteamericanos sobre este conflicto. Por este último motivo, "Redacted", palabra inglesa que define una censura voluntaria para no incurrir en problemas legales, está basada en "información recogida en internet", según explicó hoy De Palma en la rueda de prensa sobre la película, presentada a concurso en la Mostra. La trama gira en torno a la violación de una adolescente iraquí y el asesinato de toda su familia por parte de un grupo de soldados y las torturas a los detenidos en la prisión de Abu Ghraib. Acompañamos con una foto (más imágenes, aquí) en la que se muestra como la gran democracia del planeta trata a los presos iraquíes, la gran mayoría detenidos ilegalmente.

UNA ESPADA AL ESPACIO

La espada láser de Luke Skywalker viajará al espacio a bordo del transbordador Discovery. De este modo se quiere conmemorar el trigésimo aniversario del estreno de la primera de las películas de la saga "La Guerra de las Galaxias", de George Lucas. La espada, que está guardada en una caja de aluminio con interior acolchado, llegará esta semana al Centro Espacial Johnson en Houston, Texas, desde donde partirá al cosmos el 23 de octubre.

Música y cine III/ Cucurrucucú por Caetano

2007-08-28T13:13:00.000-03:00

"Hable con ella" me parece una muy buena película de Pedro Almodóvar, pero esta sección no es para tocar cuestiones técnicas ni fílmicas, sino que simplemente fue inaugurada para -de tanto en tanto- compartir aquellas escenas musicales que el cine me hizo disfrutar. Hoy, la mezcla es perfecta:

1) Cucurrucucú Paloma: Bellísima y sentidísima canción (huapango, según el género musical) del mexicano Tomás Méndez Sosa, escrita en 1954.

2) Caetano Veloso: Una de las voces más bellas y armoniosas del Brasil y sus alrededores. En realidad, es más que eso. Definirlo como uno de los artistas latinoamericanos más talentosos no es una exageración.

3) Pedro Almodóvar: Uno de esos directores cuyas películas tienen huellas digitales. Una las ve y sabe de quién es. En el caso concreto de esta escena, tiene el gran acierto de dejar que la canción transcurra íntegra en la voz y la presencia de Caetano. Mientras él canta en el marco de una reunión privada, la acción dramática transcurre ante la mirada "embobada" de todos los presentes. Nosotros, de este lado de la pantalla, somos uno más de ellos. Gracias entonces, Almodóvar, por habernos invitado a la fiesta.

David Lynch, creador de climas (1ª Parte)

2007-08-28T07:07:00.000-03:00

Si a cualquier espectador desprevenido se lo sentase a ver “Eraserhead” (Cabeza borradora) e inmediatamente después se le proyectase “The straight story” ("Una historia sencilla", según se la conoció en estas latitudes, aunque en realidad se trata de "Una historia verdadera"), y luego se le informara que ambas películas pertenecen al mismo director, no lo creería. Sin embargo, detrás de un filme y otro se encuentran la mano, el ojo, la mente, el corazón, la sangre, el alma y la esencia misma de David Lynch. Un David Lynch que cada día se convierte más y más en un auténtico realizador de culto, quizás por su maestría para crear climas y atmósferas únicas.

Ahora bien... ¿cuáles pueden ser las razones que lleven a alguien a no ver el más mínimo punto en común entre dos obras de un mismo director, sobre todo teniendo en cuenta que ese director es dueño de un estilo tan personal como incomparable? Esta es una de las preguntas que la crítica y el público conocedor de Lynch se hizo tras el estreno de “Una historia sencilla”. Otras fueron: ¿Abandonó finalmente Lynch el mundo sórdido y oscuro en el que se sumergió habitualmente por uno más diáfano y claro? ¿Qué fue lo que lo decidió a hacer un filme aparentemente simple y con personajes tan llanos y lejos de cualquier perversión y obsesión? ¿Cambió David Lynch?

Para ir dando respuestas a estos interrogantes, es necesario recordar, para quien lo pueda haber olvidado, o informar, a quienes lo desconocen, que “Cabeza borradora” fue la ópera prima del director. Es decir que los dos filmes citados marcan casi un extremo y otro en el camino transitado por el cineasta, ya que luego de "Una historia sencilla" realizó "Mulholland Drive" (aquí, "El camino de los sueños") y la aún no estrenada en la Argentina "Inland Empire".

Claro que a la hora de intentar dar una explicación a esta historia es imposible no detenerse aunque sea brevemente en las paradas intermedias de la ruta recorrida (¿o trazada?) por la cámara de Lynch. Aunque esta fracción del periplo será para la segunda y última entrada sobre el director. Por ahora, lo mejor es revisar los extremos de Lynch.

EL HORROR HUMANO, A FONDO

Cuando en 1976 “Cabeza borradora” llegó a las salas luego de seis años de filmación, el público y la crítica sintieron el impacto. Fue como si la pantalla se hubiera convertido en una suerte de aquelarre de demonios dispuestos a golpear al espectador una y otra vez en su interior. Y tal vez no sólo eso, sino también a abrirle el lado más frágil de los sentimientos y las sensaciones con una daga imaginaria para luego revolverla en su interior sin respiro ni piedad.
Las interminables pesadillas vividas por Henry Spencer (Jack Nance) no dejaron tecla del alma humana sin tocar, ya sea asfixia personal, familiar y social, horror por la llegada de un hijo que no es más que un monstruo amorfo o una sexualidad reprimida enmarcada por un clima opresivo, depresivo y revulsivo como pocas veces pudo ser llevado al celuloide.

En su libro, titulado sencillamente David Lynch, el autor español Miguel Angel Payán sintetiza a “Cabeza borradora” como “la historia de un personaje acosado por una realidad que odia y que busca incansablemente una puerta de salida suministrada por sus propias visiones y fantasías. Acosado por su novia, que pronto se convierte en su mujer, y por su suegra, su expresión del sexo pasa por el platónico encuentro con la misteriosa dama de la estufa eléctrica, fruto de su propio subconciente, que por una real y efectiva unión carnal con su compañera dan vida a un ser monstruoso que apuntala y justifica su miedo al sexo”.

En otro párrafo del trabajo, Payán hace mención a Henry Spencer como “un pobre tipo digno de lástima y tocado mortalmente por el absurdo kafkiano. Su vida ha llegado a un callejón sin salida y el antihéroe agoniza imaginando una cantante en el radiador, contemplando asombrado cómo su cabeza se convierte en una goma de borrar o viendo como unos pollos cocinados se rebelan y deciden obrar por cuenta propia. Su último paso hacia la locura es el nacimiento de su hijo, un monstruo capaz de provocar al mismo tiempo un terror atroz y una sonrisa cómplice en los espectadores”.

En medio de este pesadillesco cuadro de situación, Lynch no se priva de llevar al espectador al límite del horror cuando Spencer termina abriendo al medio a su propio hijo con una tijera, dejando vísceras al descubierto al tiempo que algo así como una montaña de excremento que brota de su interior lo cubre lenta y fatalmente mientras emite desesperados gemidos, más parecidos al berrido de un ternero que al llanto de un bebé. Tampoco duda a la hora de golpear duro en escenas tales como aquella en la que la cantante de sus sueños va pisando una larvas horrendas y viscosas que caen del techo a su alrededor, o como cuando extrae de la vagina de su esposa otras similares -aunque notablemente más largas- para hacerlas estallar una a una contra la pared.

Así, en medio de esas imágenes que obligan a fruncir el ceño y a tomar distancia más que conveniente para sofocar las náuseas, el joven Lynch hizo su presentación en sociedad como realizador de largometrajes. No fue poca cosa...

UNA HISTORIA DE AMOR A LA VIDA

Pasaron 24 años para que las preguntas expuestas al comienzo de esta reflexión pudieran formularse. De la mano de “Una historia sencilla”, este Lynch se entonces 54 años nos mostró el derrotero humano de Alvin Straight, un octogenario granjero (interpretado por un estremecedor Richard Farnsworth) con serios problemas de salud, que decide recorrer a bordo de su podadora de césped los 500 kilómetros que lo separan de su hermano, gravemente enfermo y a quien no ve desde hace una década a raíz de una discusión.

Tomando ese guión escrito por su esposa Mary Sweeney y Joan Roach y basado en un hecho real, Lynch lleva a pasear al público junto a Alvin en un viaje tan lento como hermoso de ver y de disfrutar en el alma. Es que si bien los ojos se visten de fiesta ante la belleza de los maizales, la magnificencia del cielo claro de día, estrellado de noche o bellamente turbulento en medio de una tormenta y, principalmente, a través de la mirada clara, buena y decidida de ese viejo tozudo, no es menos cierto que es el costado más puro y noble del corazón humano el que recibe los mejores y más placenteros masajes.

Y, a modo de frutilla sobre el postre, Lynch nos regala un final maestro, sin golpes bajos ni emociones exacerbadas. Aquí, por supuesto, no lo contaremos por respeto a aquellos que no la vieron (véanla, no se la pierdan), pero sí vale decir que da ganas de irse a dormir bajo el cielo estrellado filmado o pintado (vaya uno a saber) por Lynch.

PD bloggera 1: ¿David Lynch (foto arriba) y Jack Nance como Herny Spencer (foto abajo), no se parecen, al menos en el peinado?

PD bloggera 2: Los trailler de "Cabeza borradora" y "Una historia sencilla" acompañan la entrada.

Acerca del Guión III/ Conflicto y falso conflicto

2007-08-26T09:57:00.000-03:00

En entradas anteriores hablé del guión cinematográfico focalizando el tema en el conflicto, base de toda película. Quienes siguen este blog (si es que alguien lo sigue) saben de qué estoy hablando. Quienes ingresen a él ahora por primera vez, podrán buscar en la lista de etiquetas en el ítem Guión aquellas entradas.

Me pregunto si el tema que quiero abordar hoy le interesará a un espectador común o quizás sólo a aquellos que tengan inquietudes acerca del guión, pero como esto no puedo saberlo... arriba los corazones. Y la cuestión que me ocupa es el falso conflicto. Dicho en otros términos, confundir un conflicto con una situación conflictiva. En el primero de los casos, como ya dijimos anteriormente, estamos hablando de enfrentamiento de fuerzas, de protagonista y antagonista. En el segundo, esta situación no existe. Y lo mejor para entenderlo, se me ocurre que es ejemplificando. Allá vamos...

Tenemos el caso de un matrimonio en el que un marido alcohólico y violento insulta, maltrata, golpea y abusa de su mujer de todas las formas imaginables. El no trabaja y quien sostiene la casa es ella, con su mísero sueldo de empleada doméstica. Como si con todo esto no bastara, el esposo también suele quitarle el dinero que ella gana para gastarlo en alcohol. Un auténtico drama, sin dudas, que tienta para dar pie a una historia cinematográfica. Sin embargo, como está planteada hasta aquí la historia, va camino al fracaso. ¿Por qué? Simple, hay una situación conflictiva, pero no hay conflicto.

Y es sencillo comprenderlo. En la escena 1 el hombre golpea a la mujer; en la escena 2 el hombre viola a la mujer; en la escena 3 el hombre le quita el dinero a la mujer; en la escena 4 el hombre destroza las fotos más queridas que atesoraba la mujer. Así, hasta el infinito. Un bodrio total. Para que esto no ocurra habrá que recurrir al enfrentamiento de fuerzas. Es decir que alguien deberá hacer algo para detener al esposo violento o ayudar a la esposa.

Podrá ser ella, que lo enfrentará o planeará matarlo mientras duerme. Podrá ser una amiga de ella que intentará ayudarla a escapar del infierno. Podrá ser un vecino comedido que hablará con el hombre para que cambie su actitud. Podrá ser algún otro vecino que guste de ella y vaya en su auxilio o bien otro que haga la denuncia policial. En fin... decenas de variantes. Pero sin esa oposición, sin ese antagonista, sin ese enfrentamiento de fuerzas, no hay guión que resista. Sería nada más que un círculo vicioso de violencia familiar.

Por último: ¿Qué hubiera sido de la película "Papillón", si el personaje de Steve McQueen se entregaba mansamente a cumplir su condena en la Isla del Diablo, siendo sometido una y otra vez a todo tipo de vejámenes, castigos e injusticias?

En la próxima entrada sobre guión, hablaremos de motivo, gestión y objetivo de los personajes, algo estrechamente ligado a todo lo que venimos tocando.

5 Frases de cine 5/ III

2007-08-24T09:37:00.000-03:00

"Mi cine no es un cine de respuestas, sino de preguntas".

Alejandro Amenábar

"¿Qué es en el fondo actuar, sino mentir? ¿Y qué es actuar bien, sino mentir convenciendo?".

Laurence Olivier

"Como director, no me gustaría tenerme de actor. Como actor, no me gustaría tenerme de director".

Robert Redford

"El cine es un espejo pintado".

Ettore Scola

"Me asusto fácilmente. Aqui está una lista de lo que me hace producir adrenalina: 1) Los niños pequeños. 2) La policía. 3) Los lugares altos. 4) Que mi siguiente película no sea tan buena como la anterior".

Alfred Hitchcock

Música y cine II/ Gene Kelly bajo la lluvia

2007-08-22T12:44:00.000-03:00

Sinceramente, las comedias musicales hollywoodenses no me gustan. Por el contrario, me aburren bastante. No sé, me vienen a la mente Fred Astaire y Gene Kelly y esa sensación se potencia, más allá de que valore sus grandísimas condiciones para el baile. Sin embargo, siempre hay excepciones. Y el recién mencionado Kelly es una de ellas. Me refiero a la ya histórica escena de "Cantando bajo la lluvia" (1952, dirigida por Stanley Donen y el propio Kelly), una maravilla desde lo estético, visual, auditivo y por lo que transmite: la felicidad infinita de un hombre enamorado, tras despedir a su novia en la puerta de la casa. Como si con las tomas en sí y el talento de Kelly no bastaran, el remate de la escena es excelente. Todo cierra perfectamente. La quiero publicar. Un poco de música y baile no viene mal.

Una curiosidad de la filmación: durante el rodaje de la escena Gene Kelly estaba enfermo, con 40º de fiebre. Al estar así no podía bailar con la fuerza suficiente para que sus pasos sonasen bien en cámara, así que al mismo tiempo que el bailaba lo hacían al lado de la cámara dos bailarinas simultáneamente y también sobre un charco para que diera el efecto. En aquellos tiempos las posibilidades de post-producción no eran tantas como ahora. Con fiebre y todo, el hombre cumplió...

Diosas del cine IV/ Emmanuelle Béart

2007-08-21T12:00:00.001-03:00

La primera vez que la vi fue allá por mediados de los 80 en "Manon del manantial", también conocida como "La venganza de Manon". Recuerdo que era espiada desnuda cuando (si no me falla la memoria) se bañaba en un arroyo o bailaba, algo así. La imagen que sí conservo claramente es la de la última vez que la vi. Fue en "Nathalie X", hace apenas 4 años atrás, cuando se movía sensualmente aferrada a un caño ante los ojos azorados de un afortunado señor. Mortal... una gata... Como si el tiempo no hubiera pasado. Mejor aún... como si se tratara de un buen vino, Emmanuelle Béart se va poniendo cada vez más sabrosa. Por esta y varias razones más, es nuestra "Diosa" de hoy, título que se tiene más que merecido.

Pero antes de dejarlos con una galería de fotos, la escena del baile en "Nathalie..." (a la derecha) y la publicidad de una marca de lencería (no importa que no sea cine), los invito a que en algún momento de sus vidas cinéfilas vean (o revean) esa joyita que fue el binomio "Jean de Florette" y "Manon del manantial". Eso sí... es imprescindible verla en ese orden. No se arrepentirán, ni por la historia, ni por las actuaciones ni por Emmanuelle, obvio... Aunque cuando hablamos de estas películas, su sensualidad no es lo central ya que realiza un gran trabajo artístico.

Para disfrutarla desde la belleza la tenemos aquí, en nuestra sección de "Diosas..."

Ciclo Antonioni & Bergman

2007-08-20T10:32:00.000-03:00

De la Fundación Cineteca me envían fechas acerca del ciclo Michelangelo Antonioni & Ingmar Bergman, titulado "La búsqueda constante". Sin mi PC en casa (razón que llevó a no realizar nuevas entradas en el blog durante dos días), me instalo en un locutorio con las incomodidades del caso. Así, las cosas, por hoy me limito a copiar el mail que me enviaron y brindar información acerca de este valiosísimo ciclo.

Vamos, entonces:

Viernes 24 de Agosto
EL SILENCIO (Tystnaden)

*Dirección: Ingmar Bergman. *Guión y diálogos: Ingmar Bergman. *Fotografía: Sven Nysvist. *Decorados: P. A. Lundgren. *Música: Bo Nilsson y J. S. Bach *Montaje: Ulla Rige *Maquillaje: Börje Luna & Gullan Westfelt *Vestuario: Marik Vos Sonido: Stig Flodin . *Intérpretes: Ingrid Thulin, Gunnel Lindblom, Jörgen Lindstrom, Haakan Jahnberg, Birger Malmsten, Leif Forstenberg, Lissi Alandh, Los Eduardini, Eduardo Gutierrez, Nils Waldt, Birger Lendsander, Kristina Olansson. *Producción : Svensk Filmindustri *Productor: Allan Ekelund *Duración original: 95 minutos.. *Formato original : 35 mm. Formato de proyección: DVD *Origen: Suecia. *Año: 1963

Sinopsis:

Esther, su hermana Anna y su pequeño sobrino Johan atraviesan en tren un país oscuro y extraño, probablemente en guerra. Los tres se dirigen a casa pero tienen que parar en la ciudad de Timoka, ya que Esther está muy enferma y está sufriendo una crisis. Timoka es una ciudad ficticia de atmósfera opresiva y ellos no entienden la extraña lengua que allí se habla, sólo los tanques de guerra y las sirenas hablan de una situación que todos comprenden. Las dos hermanas ya no tienen casi nada que decirse, su relación es de un extraña mezcla de odio exacerbado y patológica dependencia, de lo cual es testigo el pequeño. En un solitario hotel esperan el momento adecuado para continuar el viaje, Esther intentando trabajar, Anna saliendo en búsqueda de sensaciones que la saquen de su tedio y angustia.

Bergman muestra en El silencio cómo es el mundo cuando el silencio de Dios, sentido tan intensamente en su obra de los años cincuenta y sesenta, no se compensa con el amor, cuando entre los hombres no se establece ninguna conexión por medio del amor. Ninguna otra película de Bergman ha escandalizado tanto como ésta. En muchos lugares estuvo prohibida y en otros (incluso en Suecia misma) se exhibió con escenas censuradas. Este escándalo llevó al gran éxito de taquilla a una película que, normalmente, sólo unos pocos hubieran apreciado, por su intensidad, concentración y dureza. Tan radical como los cuestionamientos de la película son los medios estilísticos utilizados por Bergman. Una soledad que ambas mujeres no logran superar es presentada con fuertes metáforas, entre ellas la de una ualidad sin meta ni ternura. El silencio hunde a Esther y a Anna en un infierno de desesperación. Sólo el niño Johan representa un rayo de esperanza y promete, tal vez, una redención.

Las funciones son las 20.15 y el ciclo seguirá con las siguientes proyecciones:

Viernes 31 de Agosto
EL PASAJERO, de M. Antonioni

Viernes 7 de Septiembre
GRITOS Y SUSURROS, de I. Bergman

Viernes 14 de Septiembre
LA AVENTURA, de M. Antonioni

Viernes 21 de Septiembre
EL SEPTIMO SELLO, de I. Bergman

Viernes 28 de Septiembre
EL DESIERTO ROJO, de M. Antonioni

Viernes 5 de Octubre de 2007
CUANDO HUYE EL DIA, de I. Bergman

Acceso a las funciones: siendo adherente a FCV con un abono de $ 20 para cinco funciones o un bono contribución de $ 5 por función.

* CINE CLUB * VIDEOTECA * BIBLIOTECA
* CENTRO DE ESTUDIOS CINEMATOGRAFICOS (cursos cortos)

INFORMES Y ATENCION: Lunes a Viernes de 16 a 20 hs.
BOULOGNE SUR MER 549 (teatro IFT) Tel. 49 63 75 91

cinetecavida@leedor.com www.leedor.com/cinetecavida

Vale la difusión del ciclo. Espero retomar el contacto habitual a partir de mañana.

¡Que se diviertan!

Acerca del Guión II/ El conflicto

2007-08-17T08:08:00.000-03:00

En una entrada anterior hablábamos de la Idea Argumental como punto de partida de la elaboración de un guión. Allí, se hacía referencia a los tres elementos que debe contener: conflicto, personajes y género. Entre ellos, el primero es el verdadero punto de partida de todo. Sintetizando, puede decirse que sin conflicto no hay película. Salvo contadísimas excepciones... y hasta ahí nomás. Sobre el final de esta entrada ampliaré sobre ello.

El autor brasileño Doc Comparato define al conflicto como "el enfrentamiento entre fuerzas y personajes". Vale. Palabra más, palabra menos, así es la cosa. Podría recurrirse a cualquier otro guionista y su definición andaría por ahí. Por ejemplo, el norteamericano Neil Simon -uno de los más grandes dramaturgos universarles (foto)- decía que el partía del deseo insatisfecho del protagonista y que ello lo conduciría al conflicto. Por su parte, el inglés Charles Chaplin, solía contar: "Mi método es meter a un tipo en un problema y después ver cómo sale de él". ¿Adónde lleva esto? Al conflicto... Coincidencia absoluta, más allá de nacionalidades o escuelas.

Cuando se habla del tema como base de la historia dramática (palabra que en su acción etimológica nos remite al concepto de acción y no de tragedia), se habla en concreto del conflicto matriz o motriz, como bien apuntan Lito Espinosa-Roberto Montini en su ya citado libro "Cómo escribir un guión". Esto significa plantear un "enfrentamiento de fuerzas" (Comparato) como eje central de la película. Obviamente, habrá otra gran cantidad de conflictos que enriquezcan las secuencias, pero ese conflicto matriz o motriz será el que mantenga la atención del espectador hasta su resolución. No importa cuál sea esta. Hacia un lado u otro, ese "enfrentamiento" habrá que cerrarlo bien cerca de la palabra "Fin", "Fine" o "The end".

En lo personal, creo que un buen conflicto debe tener tres condiciones básicas:

1) Ser presentado lo antes posible.

2) Que tenga la suficiente envergadura como para sostener 90 ó 100 minutos de acción cinematográfica.

3) Que esa lucha de fuerzas sea pareja. A nadie le interesará ver un partido entre Rafael Nadal y mi vecino que se inscribió ayer en la escuelita de tenis, porque estamos ante un resultado obvio.

¿Sigo? Dicen que en los blogs hay que escribir poco, pero me voy a extender un poco, sólo un poquito más. Es que abordar el tema y no hacer una breve mención a los tipos de conflictos, me parece que es dejar la cosa inconclusa. Quien quiera, seguirá. Quien no, hará click con el mouse en la crucecita de la pantalla. Voy cerrando, entonces. Tipos de conflicto:

1) Conflicto de relación: es el más común, el que involucra directamente a dos personas (protagonista y antagonista). Ejemplo: La guerra de los Roses.

2) Conflicto grupal, social o institucional: enfrenta a un protagonista contra una institución. Ejemplo: Serpico. El policía honesto que lucha contra la corrupción de sus superiores y compañeros.

3) Conflicto de situación: muy común en el cine catástrofe. El protagonista lucha contra una fuerza de la naturaleza o un accidente. Ejemplos: Viven, Incendio en la torre, La aventura del Poseidón.

4) Conflicto cósmico: el hombre enfrentado a un ente de otra naturaleza, como Dios o el Diablo. Ejemplo: El exorcista.

5) Conflicto interno: La lucha es consigo mismo. Ejemplo: Bleu. Una mujer intenta sobreponerse a la trágica muerte de su hija y su esposo.

En cuanto a las contadísimas excepciones de las que hablé al principio, paradójicamente ubico aquí a una de mis favoritas: "Amarcord". Pero estamos ante una película de temática coral, cuya estructura responde a otros parámetros.

¡Que se diviertan!

Música y cine I/ Elvis Presley, el "Rey del rock"

2007-08-16T07:11:00.000-03:00

En realidad, hoy tenía planeado escribir nuevamente acerca del Guión cinematográfico. Pero la fecha me lleva a inaugurar una sección que tengo en mente desde hace algunos días: "Música y cine". Tiene que ver con el aniversario número 30 de la muerte de Elvis Presley, un grande del rock al que Hollywood (filmografía, aquí) no podía obviar. Por supuesto que la cosa no pasaba por las condiciones actores de Presley, que era lo de menos, más allá de que el tipo zafaba.

Y zafaba con sus cualidades musicales, lógico. Buena voz, "ángel", una capacidad enorme para el baile y, fundamentalmente, un estilo cien por ciento innovador para moverse y para interpretar. Hasta los mismísimos Beatles reconocieron más de una vez la influencia que él tuvo en sus carreras. Considerado procaz por los sectores pacatos (estamos hablando de los años 50), lo cierto es que la pelvis de Elvis hacía levantar la temperatura corporal de las muchachas de entonces (hoy abuelas y hasta bisabuelas), que llegaban al final de las presentaciones del cantante-bailarín literalmente empapadas. De sudor... que no se malentienda.

Con actos y celebraciones varias, buena parte del mundo brinda hoy tributo al "Rey del rock", ese muchachito de ojos claros y cuerpo flexible que desde el mismo día en que murió quedó convertido en mito. A ese día, a ese 16 de agosto de 1977, llegó en franca decadencia artística y personal. Sobre todo ello, el colega Sebastián Ramos escribe en el diario La Nación de hoy una extensa y precisa nota en que destaca los puntos salientes de su vida y obra.

Vamos entonces con una de las escenas más recordadas y difundidas de Elvis, perteneciente a "Jailhouse Rock", algo así como "El rock de la prisión", producida en 1957 y dirigida por Richard Thorpe. Tan adelantado a sus tiempos fue Presley que hasta el mismísimo Marcelo Tinelli hoy bate récords de rating con el baile del caño, que Elvis ya usaba hace 50 años.

Y de yapa, imágenes de la inmortal "A mi manera", rescatadas de un recital (salpicadas con inserts de su vida), ya más grande y visiblemente más gordo. Eso sí, con la calidad intacta...

5 Frases de cine 5 (II)

2007-08-15T12:48:00.000-03:00

"Todo lo que se pueda pensar o escribir se puede filmar".

Stanley Kubrick

"Las películas deben comenzar con un terremoto e ir creciendo en acción".

Cecil B. DeMille

"Una película de éxito es aquella que consigue llevar a cabo una idea original".

Woody Allen

"Soy tan cobarde que hasta que no tengo un buen guionista no me animo a hacer una película".

Howard Hawks

"El autor de un filme es siempre el director. Para mí eso está tan claro que no comprendo el ansioso afán de algunos de ellos en proclarmarlo".

Rafael Azcona

Antonioni por Scorsese

2007-08-14T07:23:00.000-03:00

El 30 de julio último murió Michelangelo Antonioni (foto), uno de los monstruos sagrados del cine. En esa ocasión, veníamos de las muertes de Fontanarrosa, Bergman y Serrault y preferí no cargar el blog con tanto velorio. Hoy, se abre una buena posibilidad para referir a Antonioni, a través de una nota escrita por Martin Scorsese para el New York Times y publicada por el diario Clarín. En ella, Scorsese centra su óptica en una de las películas más emblemáticas del director italiano: "La aventura" (1960).

No voy a ponerme yo a analizar ese filme (¿para qué si lo hace Scorsese?), pero sí brevemente voy a comentar que cuando la vi me impactaron muchas cosas. A saber:

1) El tratamiento de cámara, exquisito.

2) Por la extensión de la película (145 minutos), el guión exigió un desarrollo en cinco actos en lugar de los tres habituales, con el que se trabaja -me animo a decir- el 90 ó 95 por ciento de las obras del cine clásico. Es cierto que La aventura pertenece al cine moderno, pero eso es harina de otro costal.

3) El comportamiento de los personajes, cuyas acciones no responden a ningún criterio lógico. Al menos, a ningún criterio lógico obvio. A este tipo de personajes se los conoce como opacos.

4) La sorpresa y el misterio, instalados desde los primeros minutos de la película hasta el último. Sí, el último.

Basta para mí. Ahora, que hable Scorsese, aquí.

Yo, apenas adjunto el trailer y uno de los afiches promocionales de la obra.

Diosas del cine III/Ornella Muti

2007-08-12T09:42:00.000-03:00

A sugerencia de mi amigo Conver (asiduo visitante de este blog), nuestra Diosa de hoy es Ornella Muti, convertida en un sex-symbol de la pantalla en los años 70. Dueña de uno de los rostros más bonitos del cine y de un cuerpo armonioso más que exuberante, la italiana se ganó ese título sin necesidad de filmar guarradas. Por el contrario, si bien no se mostró reticente a la hora de mostrar sus encantos, sus apariciones siempre tuvieron un toque de fino erotismo sin caer en lo vulgar. Como muestra, acompañamos una breve escena de "La ragazza de Trieste" (1982) en la que en un restaurante le sienta los puntos al hombre que la acompaña. Además, de yapa, una galería de fotos.
A disfrutarla...

"Doce hombres en pugna", joya del Guión

2007-08-11T18:52:00.000-03:00

Alguna vez dije, con mi grandilocuencia lógica a un nieto de andaluces y calabreses: "Es el mejor guión que se escribió en la historia del cine". Una enormidad por lo incomprobable, lo temerario y lo absurdo de asegurar entre los millones de filmes hechos, de los que uno vio un porcentaje minimísimo. Eso sí... está en la lista de los mejores doce (honremos al título) que yo vi llevados a la pantalla. "Doce hombres en pugna" (Twelve angry men, 1957) es una joya, una obra maestra...

Recuerdo que después de verla por primera vez, me quedé pensando acerca de cómo mantener la atención durante 95 minutos sin que esta decaiga un solo instante con una historia que se desarrolla en un 95% en una sala, con doce hombres que hablan entre sí. Apenas si hay una breve escena fuera de ese ámbito al comienzo (en el juzgado) y sobre el final (en los pasillos del tribunal). Años después comprendí el secreto: la maravillosa precisión del guión. La dirección y las actuaciones resultan vitales, obvio, pero sin ese guión...

Vamos entonces a hacer mención directa al autor: Reginald Rose, quien se basó en su propio guión para la TV (aunque en realidad fue concebida como obra teatral), donde tuvo su primera versión en 1954. Casi tres años después, el propio Rose (arriba, a la derecha) y Henry Fonda se hacen cargo de la producción de la película, la cual tuvo un costo de 314.000 dólares. Por primera vez Fonda financia un filme y junto a su socio le dan la chance a un joven director para que haga su debut: Sidney Lumet. A Lumet (arriba, izquierda) le exigen una única condición y esta es que no se aparte una línea del guión escrito. Gran acierto. Es el mismo Henry Fonda quien se pone a la cabeza de un gran elenco y tras apenas veinte días de rodaje, "Doce hombres en pugna" (en algunos países conocida como "Doce hombres sin piedad") entra en la moviola para ser editada.

Y ya que en una entrada anterior de este blog hablamos de la Idea Argumental, me animaría a definir la de esta película así:

"Doce hombres que integran un jurado deben juzgar a un joven portorriqueño acusado del asesinato de su padre. Para que éste sea condenado a la pena de muerte, el fallo debe ser unánime. En la primera votación once votan por la culpabilidad del detenido y el único que disiente con ellos intentará llevarlos a realizar un análisis más profundo. A partir de allí, se inicia una larga deliberación que decidirá la suerte del joven".

TRAILER DE LA PRIMERA VERSION

Con la idea latente del latino-pobre-menor como culpable, la película no nos da un segundo para distraernos. Por el contrario, en esa pequeña sala la riqueza de los diálogos, argumentos y conflictos permanentes hacen que la tensión crezca a cada instante. Además de la quirúrgica perfección del guión, este muestra como clara premisa lo peligroso que puede resultar la subjetividad, los prejuicios y la discriminación. Un cocktail tan letal que pueden llevar a un hombre a ser ejecutado.

Cuarenta años más tarde (1997) "Doce hombres en pugna" volvió a sortear con notable éxito su remake. Esta vez bajo la dirección de William Friedkin, con el enorme Jack Lemmon en lugar de Fonda y con un gigantesco George Scott como otro de los miembros del jurado. Al igual que en la versión original, el elenco todo responde sin fallas a la ajustada dirección de Friedkin (arriba, derecha). Y en este caso el guión correspondió a... Reginald Rose. ¿Para qué cambiar lo que estaba tan perfecto, verdad?

Hay que ir cerrando, entonces, ya que las extensiones de un blog requieren no demasiada escritura. Cerremos entonces, con una reflexión acerca de una frase dicha, escrita y oída miles de veces: El cine es imagen. Quien vio o vea "Doce hombres en pugna" en cualquiera de sus dos versiones, seguramente se replanteará esta "verdad absoluta" y al menos analizará si también no es sonido, en este caso en forma de diálogos. Al fin y al cabo, tanto Henry Fonda como Jack Lemmon también les hicieron replantear la "verdad absoluta" a sus once compañeros de jurado.

PD bloggera: Esta película fue exhibida durante muchos años en las facultades de Derecho de Estados Unidos como muestrario de las tormentas internas que debe atravesar los hombres que deben juzgar.

5 Frases de cine 5 (I)

2007-08-10T20:10:00.000-03:00

"Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como una curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial".

Antoine Lumiere

"Tengo diez mandamientos. Los primeros nueve dicen: ¡No debes aburrir!"

Billy Wilder

"Me gustan que las películas tengan un principio, un medio y un final. Pero no necesariamente en ese orden".

Jean Luc Godard

"El negocio del cine es macabro, grotesco: es una mezcla de partido de fútbol y de burdel".

Federico Fellini

"Para escribir el guión de una buena película hacen falta dos años, para rodarla dos meses, para efectuar el montaje dos semanas, para dar los últimos retoques dos días, para verla dos horas y para olvidarla dos minutos".

Joseph Leo Mankiewicz

Kirchner, el "rebelde" patagónico

2007-08-08T19:29:00.000-03:00

Mi amigo Lord Henry (autor del más que recomendable blog el-impreciso) me alertó acerca del plano en el cual Néstor Kirchner (en la foto en sus épocas de militancia callejera) aparece en su función de extra en la filmación de "La Patagonia rebelde". La película contó con un importante elenco y fue rodada en los pagos del Sur en 1973 bajo la dirección de Héctor Olivera en la que, a mi juicio, fue su mejor realización.

La historia se basa en el libro de Osvaldo Bayer, en el cual el historiador describe con lujo de detalle los reclamos y las huelgas de los explotadísimos trabajadores de los campos de los grandes terranientes en los albores de los años 20 y la feroz respuesta del gobierno radical de Hipólito Yrigoyen, que puso fin a las revueltas tras las matanzas ordenadas por su enviado, el teniente coronel Héctor Benigno Varela.

Por estos días, el original está siendo restaurado para ser lanzado en DVD, en una versión que incluirá escenas censuradas al momento del estreno y también declaraciones del otrora extra y hoy presidente. Tras esta referencia histórico-contemporánea, vamos a la imagen. El secreto es prestar atención a los 24 segundos de la reproducción. Sobre el margen izquierdo de la pantalla, el extra K aparece cantando "Hijo del pueblo". Vale aclarar que no obtuvo ninguna nominación para el Oscar...

Damon y Aniston, los más taquilleros

2007-08-07T12:44:00.000-03:00

Esta nota fue publicada en la edición de hoy de

El País, de España.

Ahí va:

Si está pensando en rodar una película tal vez le interese contratar como protagonista a Matt Damon. Porque, según estima Forbes en su web, el actor estadounidense es la mejor inversión de Hollywood. Por cada dólar que le pagaron por la interpretación de sus tres últimos papeles, Damon, de 36 años, produjo un ingreso bruto de
29 dólares.

Esta cifra coloca al protagonista de las tres entregas de "Bourne" en el primer lugar de la lista de los 22 peces gordos de la industria del séptimo arte recopilada por Forbes, que calcula que las dos primeras películas de la saga -"El caso Bourne" y "El mito de Bourne"- produjeron unos 850 millones de dólares en taquilla y venta de DVD. La tercera parte, "El ultimatum de Bourne", estrenada la semana pasada en Estados Unidos, generó 70,2 millones de dólares en la taquilla. Fue la cinta estrenada en agosto que más ha ganado en toda la historia.

Brad Pitt quedó segundo en la lista, redituando un ingreso bruto de 24 dólares por cada dólar que se le paga en salario, y Vince Vaughn quedó empatado con Johnny Depp en el tercer puesto con 21 dólares de retorno en la inversión.

La ex de Pitt, Jennife r Aniston, es la actriz que más produce con un retorno bruto en la inversión de 17 dólares por dólar. La pareja actual de Pitt, Angelina Jolie, quedó sexta con 15 dólares de retorno por cada dólar invertido en su salario.

Russell Crowe es el último de la lista. Sus ultimas tres cintas -"Un buen año", "Cinderella Man" y "Master and Commander"- generaron un promedio de apenas 5 dólares de retorno por cada dólar invertido en el ganador del Oscar.

Diosas del cine II/ Marilyn Monroe

2007-08-05T12:55:00.000-03:00

Fue un ícono del cine. Es un mito. Fue hermosísima, desenfadada y fresca. Su muerte aún pendula entre las teorías del suicidio y el asesinato. Disfrutó y sufrió su condición de sex symbol. Buscó el amor con desesperación y sólo lo halló parcialmente. Hasta hoy, las que fueron sus pertenencias personales se subastan a precios altísimos. Marilyn Monroe no pasó desapercibida por este mundo. Dejó una estela que se prolonga en el tiempo y hoy, a 45 años de su partida definitiva, es nuestra "diosa". No importa si fue una actriz mediocre, buena o muy buena. Sencillamente, fue Marilyn. Simplemente Marilyn... ¿Algo más?

Seis semanas antes de morir posó -en una sesión de 12 horas- para el fotógrafo Bert Stern (aquí, más tomas de Marilyn). Las imágenes, muchas de ellas inéditas hasta hace un par de meses, fueron tomadas en una suite del hotel Bel-Air de Los Angeles y se realizaron con poco maquillaje, mostrando a una Marilyn despeinada, sin ropa y exhibiendo como nunca antes la cicatriz de una operación de vesícula, como para demostrar que era humana. Esta entrada va acompañada por una de ellas. Y de yapa, una escena musical de "Los caballeros las prefieren rubias". En realidad, las prefieren como a Marilyn. ¿O no?

Acerca del Guión I/ Idea Argumental

2007-08-04T11:14:00.000-03:00

Tuve la suerte de conocer muy de cerca a Lito Espinosa (foto), guionista de cine y TV y -más que profesor o docente- MAESTRO de la enseñanza, además de un tipo adorable. Fui su alumno en Guión I y Guión II en la Escuela de Eliseo Subiela, tuve el honor de que él pidiera entregarme el diploma de Realizador Cinematográfico la noche que me recibí y luego me convertí en su adjunto en la cátedra durante dos años en lo de Subiela y por un semestre también en la UBA. Tenía una capacidad y una claridad para explicar notables. Lamentablemente, se fue de manera repentina hace un tiempo.

En co-autoría con Roberto Montini escribió un libro titulado "Había una vez... como escribir un guión", un auténtico ABC de la difícil especialidad de desarrollar una historia en términos cinematográficos. A sus páginas me remitiré más de una vez cuando aborde el tema. También a mis apuntes tomados en sus clases, a lo que conservo en la memoria de tantas horas compartidas y a mis experiencias y conclusiones personales, obvio.

Ahora, bien... la pregunta es: ¿Qué necesitamos cómo primer elemento para escribir un guión? Y la respuesta es sencilla: una idea. En términos cinematográficos nos estaríamos refiriendo concretamente a una Idea Argumental, que es bastante más que una simple idea.

La clave para que funcione es que la Idea Argumental debe ser expresada con muy pocas palabras. El libro de Lito y Montini refiere a la cuestión ejemplificando con el diálogo del Productor Ejecutivo de la película "The Player" (El juego de Hollywood, 1992), de Robert Altman, a un Director y su Guionista, que le llevaban una propuesta de realización. Dice así:

PRODUCTOR EJECUTIVO
"Cuénteme su idea en veinte palabras"
DIRECTOR
"¿En veinte palabras?"

PRODUCTOR EJECUTIVO
"Ahora en diecisiete..."

Clarísimo. Pero para ir concretando, digamos que la Idea Argumental consta de tres elementos, únicos y básicos: Conflicto, género y personajes protagónicos. Con esto alcanza. Por último, a modo de ejemplificar, veamos como se presenta la bendita Idea Argumental:

Hay dos familias que se odian profundamente, hasta tal punto que están en guerra la una con la otra. Un chico adolescente que pertenece a una de ellas, se enamora perdidamente de una chica que pertenece a la otra, y este amor es correspondido. Los dos se aman profundamente, sin embargo la relación es insostenible por el odio que vincula y separa a estas dos familias.

Tenemos a Romeo y Julieta, nada menos.

De allí en más, el derrotero del guión seguirá por infinitos caminos. Algunos de ellos, los abordaremos en otras entradas.

Un "Fantasma" que me persigue

2007-08-01T22:50:00.000-03:00

Allá por 1976, cuando en la Argentina estaba prohibido pensar, hablar, tener el pelo largo, jugar a los naipes, caminar después de las 10 de la noche, apretar en las plazas y hasta respirar, vi por primera vez "Un Fantasma en el Paraíso", de Brian de Palma. Se trataba de un drama musical o de un musical dramático (como se prefiera), mezcla ingeniosa y genial de "Fausto" y "El fantasma de la Opera", que explotaba en una conjunción desbordante de colores musicalizados o música colorizada (como se prefiera) en la que sobresalían las composiciones de Paul Williams, quien también protagonizó al inescrupuloso Swan.

Sintetizando, en ese ambiente represivo de la dictadura genocida de Videla y sus secuaces, conseguí una cédula de identidad que decía que tenía 18 años, cuando en realidad sólo tenía 15. Inconciencia absoluta que pudo haber terminado con mi osamenta en el Río de la Plata si los asesinos de entonces descubrían que tenía dos documentos. Hubiera sido difícil hacerles entender que esa estrategia sólo apuntaba a querer entrar al cine a ver a Susana y Moria en bombachones que hoy no usarían ni mi bisabuela calabresa o andaluza (como se prefiera) y no a luchar por implementar el marxismo-leninismo en estas latitudes. Pero en fin... me estoy yendo de tema. La cuestión es que esa cédula me permitió entrar a ver ese Fantasma de De Palma, costumbre que se repitió incontable cantidad de veces en las trasnoches sabatinas del hoy también desaparecido cine Studio de avenida Pueyrredón, a metros de Santa Fe. También compré el long-play (sí, long-play) de la banda sonora, que tras habérselo prestado a un amigo jamás me llegó de vuelta. Como corresponde, por otra parte...

Después de aquella época, solamente volví a verla una vez allá por fines de los 80. Ahora, llegó la hora de dejar que el Fantasma me alcance nuevamente, ya que acabo de conseguir una copia en DVD. A modo de anuncio, entonces, adelanto que este sábado por la noche estaré frente a mi TV degustando un coñac y re-viendo aquella película que tanta injerencia tuvo en mi adolescencia. Nada más me detendré a disfrutarla. En los próximos días la veré con ojos más críticos y abordaré el tema en este mismo espacio. Me interesa saber qué me provoca a los 46 aquello que tanto me provocó a los 15. Empiezo por el trailer, que comparto con ustedes...

Diosas del cine I/ Sophia Loren

2007-08-01T07:13:00.000-03:00

Vamos a inaugurar una sección. Se llamará "Diosas del cine" y servirá para alivianar el blog en medio de tantas muertes recientes, darnos masajitos a la vista y evocar a aquellas actrices de las que alguna vez nos enamoramos a través de la pantalla. A modo de estreno, elegí a la eternamente bella Sophia Loren, jugando con su compañero de tantas películas, Marcello Mastroianni. Bajo la dirección de Vittorio De Sica, en 1963 filmaron "Ayer, hoy y mañana" y aquí va una escena de aquel memorable filme. Increíble pero real, por hacer lo que se ve Mastroianni embolsó una buena cantidad de liras (hoy, euros). Lo que se dice, un tipo con suerte... Además de talento, claro.

La soledad final de Ingmar Bergman

2007-07-31T20:05:00.001-03:00

Lejos está en el espíritu de este blog convertirse en un manojo de necrológicas, pero es imposible dejar pasar las muertes encadenadas de los directores Ingmar Bergman y Michelangelo Antonioni y la del gran actor Michel Serrault.
Ahora nos detendremos en el sueco (del italiano y el francés me ocuparé luego), sin entrar en detalles artísticos tan profusamente difundidos por estos días en los medios de comunicación. En este espacio elegí otra cosa más íntima, quizás -inconscientemente- a tono para con alguien que pintó como pocos el alma humana y la plasmó en el cine. De esto se trata...

El 6 de abril de 2000, Bergman dio una entrevista a un canal de televisión sueco, algo nada usual en él, ya que era absolutamente remiso a hablar, sobre todo de su vida personal. Sin embargo, en aquella ocasión rompió con ello y contó cosas reveladoras desde la isla Färö, donde vivió prácticamente recluido hasta el día de su muerte, el domingo último. Sólo aceptó dar la nota debido a que quien se la pidió fue su amigo, el actor Erland Josephson. Con él se animó a desnudar su alma y contó cosas que muestran el estado de tristeza, soledad e indiferencia con que atravesó su vejez. Algunas de sus frases de aquel reportaje:

"Lo único que que considero espantoso sería convertirme súbitamente en un vegetal y en una carga para otras personas... en un alma consumiéndose lentamente, atrapada en un cuerpo en el que los interiores me saboteen gradualmente. Eso sería horrible".

"Por supuesto que me quitaría la vida. Y eso no es sólo un decir, sino que sería un final completamente natural. Espero tener el suficiente sentido común y la claridad mental como para contar con la capacidad de organizarlo y planearlo, pero sé que hay posibilidades de que uno pueda realmente decidir por sí mismo si quiere seguir viviendo"

"La muerte de mi esposa, en 1985, fue lo más triste que me pasó en la vida. Por eso pienso lo que pienso, ya que desde entonces vivir se convirtió para mí en una carga. Pensar que nunca volveré a ver a Ingrid es algo devastador".

Palabra de Ingmar Bergman, al que algunos tildaron de hacer un cine lento y aburrido. Particularmente, disiento. Para mí fue un grande, un artista con mayúsculas...

UN PLANO DE "EL SEPTIMO SELLO", UNA OBRA MAESTRA

Intervalo

2007-07-27T17:22:00.000-03:00

Estoy de viaje por Mendoza y, lamentablemnte, durante estos días no pude hacerme cargo del blog. Una pena, ya que está recientemente estrenado y lo debí mantener inactivo durante toda esta semana. Un intervalo como en una película larga, en definitiva. Recuerdo que la primera que me tocó ver en dos tandas fue Tora, Tora, Tora, una importante producción de 143 minutos de 1970. Esperemos retomar un contacto más fluido a partir del lunes 30. Acompaño con una escena de esa película del ataque de la Fuerza Aérea japonesa a la base naval estadounidense de Pearl Harbor. Al menos, eso creo, ya que en el locutorio donde estoy no se pueden visualizar videos. El lunes confimaré. Hasta entonces...

El Martín Fierro de Fontanarrosa

2007-07-20T08:06:00.000-03:00

La muerte del Negro Fontanarrosa me golpeó fuerte, me cerró la garganta y me hizo escapar un lagrimón. No tengo ganas de ponerme a escribir sobre lo grande que fue (y es, a través de la obra que dejó) ni utilizar decenas de adjetivos que por estas horas todos están, justificadamente, utilizando. Sencillamente, desde aquí va mi homenaje y mi mención al Martín Fierro animado que se viene en las pantallas de cine y que él dibujó, además de haber aportado su talento en el guión. En el vínculo, una entrevista que dio sobre esta aproximación suya al celuloide.

Por último, mi agradecimiento a tanta genialidad que compartió con todos nosotros. Tipos como Fontanarrosa redimen a la especie humana.

Se nos fue el "Negro"... ¡La puta que lo parió!

Sobre la "Trilogía de la vida" de Pasolini

2007-07-17T14:39:00.000-03:00

Habían pasado nueve años exactos desde que Pier Paolo Pasolini irrumpió en el firmamento cinematográfico italiano como realizador con su "Accatone", hasta que dio el puntapié inicial de lo que él mismo llamaría "trilogía de la vida" -aunque más tarde se retractara- compuesta por "El Decamerón" (1971), "Los cuentos de Canterbury" (1972) y "Las mil y una noches" (1974). Hoy, a 33 años de la última puntada de ese tríptico y a 32 del brutal asesinato del director-poeta-periodista, a la hora de abordar aquella obra sigue resultando poco menos que imposible aunar criterios.

Aunque si bien es cierto que este hecho es común a una amplísima mayoría de ejemplos en todo lo que tenga que ver con la creación en cualquiera de sus formas, no es menos
real que pocas veces pueden encontrarse posturas tan, pero tan opuestas como el caso de esta trilogía de Pasolini. Una trilogía en la que se mezclan el sexo con la muerte y la sangre; la impecable y excelsa ambientación de la era medieval con pésimas actuaciones, el mal gusto, lo burdo y lo chabacano; la renovada ilusión de encontrarse con una historia atractiva al comienzo de cada cuento de cada una de las películas con la rápida desilusión al comprobarse que el guión termina naufragando de manera inexorable o bien los denodados intentos del realizador de mostrar todo de la manera más cruda y realista posible con la paradójica pérdida del verosimil en el que cae a cada instante.

En lo que sí no quedan dudas luego de ver los tres filmes, es que el hilo conductor que los une es la incontrastable desesperación del creador por trascender, no sólo hacia afuera, sino también hacia adentro. Algo así como la angustiosa tentativa de un Pier Paolo Pasolini agobiado por sus propios demonios (léase homosexualidad manifiesta por él mismo pero no por ello asumida naturalmente, persecuciones sociales y judiciales o abiertos enfrentamientos con la clase política, la burguesía, el clero, los militares y cuanta institución se precie de tal) a los que intentó exorcizar, celuloide mediante. ¡Y ni hablar de su obra póstuma, "Saló" o "Los 120 días de Sodoma" (1975), que si bien no forma parte de la trilogía en cuestión resultó ser la potenciación de todos sus fantasmas llevados hasta el infinito.

Claro que nada de ello le valió, ni para enfrentar su vida (¿o su inminente muerte?) ni para dejar un testamento fílmico de valía en el más puro campo de la cinematografía, premios internacionales, polémicas y escándalos al margen. Fue como si en esta última etapa de su existencia, Pasolini hubiera perdido el norte acerca de cómo llegar realmente con su ideología y sus denuncias sociales a través de la pantalla, como sí lo seguía haciendo mediante sus artículos periodísticos. Algo así como que el talento le quedó fuera de cuadro.

El Decamerón de Boccaccio

Nueve de los cien cuentos medievales que integran el libro de Boccaccio fueron tomados por Pasolini para recrear la primera de sus tres obras, los cuales fueron narrados en dos tiempos. El primero, enmarcado en la historia de Ser Ciapelletto, se descompone de la siguiente manera: 1) Andreuccio da Peruggia; 2) Masetto; 3) Peronella y 4) Ser Ciapelletto. El segundo, unido por la presencia del pintor Giotto (encarnado por el propio Pasolini) se divide en : 1) Giotto; 2) Caterina di Valbona; 3) Lisabetta da Messina; 4) Gemmata y 5) Tignoccio y Meuccio. El epílogo muestra a Giotto descubriendo el fresco para el que fue contratado por el clero y lo contempla.
Ganadora del Oso de Plata en el Festival de Berlín de 1971 y generadora de un envidiable éxito comercial, "El Decamerón" soportó incontables procesos judiciales, a la vez que recibía elogios y descalificaciones de la crítica en partes iguales.

Los integrantes del primer grupo hablaban del coraje del realizador para abordar el sexo y la brutalidad humana como pocos lo habían hecho hasta entonces, la grandilocuente y cuidada producción o la composición visual de los planos que convertían a cada fotograma en un auténtico cuadro, lleno de belleza. En contrapartida, quienes se ubicaban en la vereda de enfrente, hacían hincapié en que los relatos del Decamerón seleccionados por Pasolini pertenecían a Dioneo, el más vulgar, obsceno y grosero de los diez narradores que alternan sus historias en las páginas de Boccaccio, como así también que toda esa belleza estética del director se perdía en gran medida a la hora de filmar las escenas de sexo.

Sobre el particular, el prestigioso crítico y estudioso cinematográfico italiano Lino Micciché, señaló: "Casi todas las menciones temáticas y narrativas al texto literario, se retoman en el filme invirtiendo su sentido y cargando constantemente las tintas, lo que confiere a vicisitudes y a personajes un hedor de grosera carnalidad", para finalmente rematar haciendo mención a una "herética traición de Pasolini con respecto al original".

Los cuentos de Canterbury

Siguiendo la línea comenzada un año atrás, en 1972 Pier Paolo Pasolini contó con otra millonaria producción para filmar "Los cuentos de Canterbury", adaptados de la obra de Geoffrey Chaucer. Una vez más el éxito se traduce en la recaudación y se potencia con la obtención de Oso de Oro de Berlín, como así también se repiten los contrapuntos por parte de la crítica.

Ambientada lejos de la convulsionada Nápoles donde transcurre "El Decamerón", esta vez las nueve historias del total de veintiuna que componen la obra literaria se sitúan en la Inglaterra del Siglo XIII. Otra vez con un Pasolini activo en pantalla como garante-narrador de las historias, los procesos judiciales se repiten a la vez que se potencian las condenas clericales.

Eslabonando los relatos del mercader y la joven Maggio; el cazador de brujas; el "chaplinesco" Perkin que acaba en la picota; el molinero, el leñador y su esposa infiel; el joven engañado que se venga sin quererlo del amante de ésta; la viuda casamentera; los estudiantes que seducen a la esposa y la hija del molinero que les da cobijo; los amigos que se matan entre sí por codicia y el fraile que sueña con un ángel que lo lleva al infierno (recreado tal como lo imaginaron en sus cuadros Brueghel y El Bosco) , el realizador hurga aún más en sus propias oscuridades personales.

Así, la obra cae en momentos que provocan auténtico rechazo del espectador, quien se ve encerrado una y otra vez en un mundo de sexo y muerte, casi nunca unidos por una línea argumental que fundamente la presencia de ambos elementos al punto en el cual lo hacen. Inclusive, cabe preguntarse hasta qué punto la sucesión de primeros planos de genitales, principalmente masculinos, no respondían más a un placer propio por retratarlos que a un hecho genuinamente artístico, pacaterías y moralidad al margen. La última toma muestra al Pasolini-Chaucer escribiendo en el libro donde fue volcando las historias a lo largo del filme: "Aquí terminan los cuentos de Canterbury, contados tan solo por el placer de contar. Amén".
Sin dudas, toda una definición de lo que se acababa de ver.

Las mil y una noches

Impelido por una casi desesperante necesidad de producir a todo nivel, Pasolini atacó en 1974 con el mítico texto oriental. Sin problemas financieros a la hora de abordar sus filmes (más bien todo lo contrario), el realizador italiano no tuvo inconvenientes para mudar su equipo de filmación completo a los exóticos y lejanos territorios de Yemen y Arabia, donde una vez más reafirmó su maestría cuando de ambientación, vestuario, escenografía y composición de cuadros se trata. Claro que del mismo modo ratificó la endeblez de sus guiones a la hora de adaptar una obra original, pese a que bien podría decirse que "Il fiore delle mille e una notte" (tal el título original) fue el más compacto de las películas de la trilogía desde el punto de vista argumental.

Partiendo de la historia de Zumurrud, una joven esclava que ha sido vendida por voluntad propia al joven Nur ed Din y que luego es raptada, el decorrer de la película se distribuye en diferentes capítulos unidos por la desesperada búsqueda del muchacho de la mujer de su propiedad y al mismo tiempo amada y la asunción de ésta a rey al ser confundida con un hombre. Finalmente, hombre y mujer conseguirán la felicidad plena.

Una vez más distinguido por su obra con un galardón de suma importancia como lo es el Premio Especial del Jurado de Cannes, Pasolini vuelve a regodearse en las relaciones sexuales (que en muchos casos se advierten son explícitas), como así también en los genitales masculinos, los cuales para esta ocasión ya no tiene pruritos en filmarlos en estado de semierección, como para que la duda acerca de la justificación dramática o los propios deseos personales se renueve.

La hora de las conclusiones

La palabra "Fine" sobre la pantalla no sólo sirvió para "Las mil y una noches", sino también para la trilogía. Poco después del estreno, el propio Pasolini definió su obra de la siguiente manera: "Cuando uno es joven, necesita sobre todo de la ideología para vivir. Al llegar a la vejez, la vida se vuelve más restringida y se basta a sí misma. No me planteo el problema del futuro porque pienso que el futuro es lo mismo que el presente. Esta trilogía es como una declaración de amor a la vida, aunque resulta estúpido hablar de trilogía. Se trata de un mismo filme dividido en capítulos. Pero así como me aterra el paso del tiempo, ya que se necesita un año de trabajo para hacer una película, he preferido fragmentarlo para no ser cortado fuera de la realidad".

Poco tiempo le quedaba por delante a Pasolini. No sólo para filmar, sino para vivir. El 2 de noviembre de 1975 y a escasos meses de haber finalizado la más polémica y escandalosa de sus obras, la ya citada "Saló", era brutalmente asesinado. Tal vez ese final le daba premonitoriamente la razón en cuanto a de qué modo lo aterraba el paso del tiempo. Frase que también sirve para comprender un aspecto de su obra que Virgilio Fantuzzi, autor del libro Pier Paolo Pasolini, definió con fina certeza en uno de los párrafos de su trabajo: "Sus películas se sucedían una a otra con un ritmo que a veces resultaba atropellado. El, siempre presente en los debates que, con alguna frecuencia, se transformaban en apasionados comicios, parecía más interesado en multiplicar las ocasiones de intervenir que en calibrar la puntería de su tiro".
Razón no le faltaba...

El cine y lo cotidiano I

2007-07-14T19:56:00.001-03:00

Acabo de volver de Paraná, Entre Ríos, y más de una vez en esos 500 kilómetros de ida y 500 de vuelta al volante me vino a la mente la genial y extraña película del genial y extraño David Lynch, "Carretera perdida". Es que el cine (aún el más pedorro) y los hechos cotidianos de la vida van de la mano. Sintetizando... ¿No te gustaría ser el chofer del auto negro y poder hacer lo que él y sus amigos hacen cuando alguien se te pone en la ruta a medio metro de tu auto y te vuelve loco con la bocina o te encandila con las luces? ¡Vamos... sé sincero! Al menos en la imaginación, seguro que pensaste algo parecido. Date lugar para dejar volar tus auténticos sentimientos. Yo te recuerdo la escena y después me contás . Y ya charlaremos sobre la obra de David.

Una PD: Opté adrede por la escena hablada en español para que (de paso) veamos lo preciosa que queda la traducción.

Montaje... toco y me voy

2007-07-14T10:47:00.000-03:00

En su acepción técnicamente más pura, el montaje podría definirse como la selección, corte y empalme de las diferentes tomas de una película. Sin embargo, en el campo de la práctica, resulta ser un elemento que pondera aspectos fundamentales de la estructura de un filme, tales como la conexión de un plano con otro, el encadenamiento de estos en una serie y la duración de cada uno y, por ende, de la totalidad de la película, además de marcar el ritmo de la misma. A modo de ajustadísima síntesis, podría decirse que con el mismo material filmado, pero montado de infinitas maneras diferentes, podríamos encontrarnos con igual número de películas distintas como montajes se hayan realizado.

Visto desde otra óptica, el prestigioso autor francés Jean-Claude Carrière es dueño de una frase que marca una acepción acerca de la importancia del montaje y dónde comienza éste a ponerse en práctica. Esa frase es: “El guionista debe ser un muy buen montajista”.

La pregunta es si este concepto choca con el anterior y la respuesta la tienen los puntos de vista de los diversos realizadores. Mientras directores como Orson Welles, Jean Luc Godard o Alfred Hitchcock consideran el montaje como el momento que define la película, colegas como Luis Buñuel, John Ford o Howard Hawks le dan muchísima menos importancia, ya que el filme lo montaron ellos en sus cabezas antes de comenzar a rodar, y de tal manera registraron las imágenes.

Montaje… un tema que retomaremos.

Algo (bastante) sobre Chaplin

2007-07-08T12:34:00.000-03:00

Carlitos, Charlie, Charlot, Chaplin, “Chaplín” o sir Charles Chaplin. Como se prefiera. No importa de qué manera lo llame cada uno. Lo que sí importa es que la figura de este artista sin par se convirtió a fuerza de regalarnos carcajadas, lágrimas y denuncias sociales en uno de los íconos más importantes del cine, desde su invención hasta el infinito. Porque no cabe ninguna duda de que los años, las décadas y los siglos podrán seguir pasando pero siempre que se vea una película de este hombre que fue director, actor, mimo, clown, guionista, compositor musical y productor, habrá lugar para la emoción.

* * * * *

Charles Spencer Chaplin nació en Londres, Inglaterra, el 16 de abril de 1889, en el marco de una familia de artistas de variedades en la que no faltaban la pobreza, el alcoholismo y la tragedia, a punto tal que su padre falleció precisamente a causa de su adicción a la bebida y su madre sufrió con el paso del tiempo de demencia. Ya de adolescente, el futuro genio se presentaba, incentivado por su hermano mayor y también actor Sidney, como parte de una compañía teatral en la que alternaba números musicales con pantomimas y rutinas humorísticas.

Pero fue en 1910 cuando su vida comenzó a experimentar un giro, al embarcarse rumbo a los Estados Unidos con el grupo artístico del cual formaba parte. Si bien esta primera experiencia americana no fue un éxito (más bien todo lo contrario), dos años después Chaplin regresaría para radicarse allí definitivamente.

Quien reparó en su talento fue el productor, director y más alto ejecutivo de la compañía cinematográfica Keystone, el canadiense Mack Sennett, quien en 1913 lo convocó para sumarlo a sus filas, ofreciéndole un contrato por un año para filmar tres películas, con un sueldo de 150 dólares a la semana para los primeros tres meses y 175 los nueve restantes. Apenas un par de meses más tarde, el absolutamente desconocido Charles Chaplin hacía su debut en “Making a living”, bajo la dirección de Henry Lehrman. A lo largo de ese año participó en un total de 35 películas, en diversas funciones (ver filmografía).

No fue 1914 para Chaplin solamente un año prolífico, sino que también marcaría el nacimiento del astro, ya que fue entonces cuando Charlot hizo su presentación en público en “Kid auto races at Venice”. Ese personaje que vestía galera con forma de hongo, chaleco ajustado, pantalón amplio, grandes zapatos y bastón de caña y que lucía un particular bigotito llegaba al mundo del cine para quedarse. Los retoques realizados en base a las sugerencias de Sennett fueron que caminara con los pies abiertos y que cada tanto revoleara el bastón.

Sin embargo, ya por entonces los choques entre Chaplin y Sennet habían comenzado a profundizarse, a punto tal que los sucesivos cambios de director que fue experimentando el número 1 de la Keystone ya que “Carlitos” no se llevaba bien con ninguno derivaron en que fuera el propio Chaplin quien se hiciera cargo de la realización de sus cortos.

El debut se produjo en su decimotercera película, “Caught in the rain” y a la finalización del contrato el cada vez más ascendente actor inglés logró independizarse de Sennet, asociándose con la compañía Essanay primero, con la Mutual y la First National después hasta que en 1918 ó 1919 (los datos que poseo difieren al respecto) pegó el gran salto y tuvo sus propios estudios en la ya altamente competitiva Hollywood. Fue entonces cuando junto a Mary Pickford, Douglas Fairbanks y D. W. Griffith fundó la United Artist Corporation, en la que seguiría hasta 1952.

Hablar acerca de toda la filmografía de Charles Chaplin en detalle resultaría abosolutamente imposible, a menos que se quiera escribir un libro. A modo de síntesis informativa pueden destacarse entre sus trabajos más logrados, recordados y exitosos de aquellas épocas “Police”, “The fireman”, “The vagabond”, “The inmigrant”, “The adventurer”, entre otros.

Llega entonces 1921, cuando escribe, dirige y protagoniza “The kid”, un mediometraje de 60 minutos en el que logra conmover hasta las lágrimas a partir de su relación con el inolvidable chico interpretado por Jackie Koogan (en los años ´60 el desopilante Tío Lucas de la serie televisiva “Los locos Adams”), y también hacer reír cuando el guión buscaba bajar de decibeles la angustia de la historia.

“El pibe” se convirtió tal vez en la cuarta gran película (sin respetar el orden cronolóligo) de Chaplin, cuyas obras maestras podrían sintetizarse en una trilogía compuesta por “La quimera del oro” (1925), “Luces de la ciudad” (1931) y “Tiempos modernos” (1936). A modo de citar otros dos grandes títulos de su obra, podría hacerse mención a “El circo” (1928) y “El gran dictador” (1940). !Vaya tarea elegir las mejores películas de Chaplin...¡

LA ERA DEL CINE SONORO

La llegada en 1927 del cine sonoro representó para Charles Chaplin una importante movida en su actividad creativa. Tratándose de un maestro del mimo y con una capacidad fuera de lo común para contar una historia sin diálogos basado en sus elocuentes guiones, su capacidad interpretativa y su manejo de cámaras tan ajustado y preciso, el desafío no era nada sencillo para él. Había que salir a competir con el adelanto tecnológico... o no. Y fue este precisamente el camino que tomó.

Chaplin siguió manejándose dentro del cine mudo sin que la calidad de sus filmes cayeran. Por el contrario, dos de las películas mencionadas entre su trilogía máxima fueron hechas durante el nuevo ciclo. En “Luces de la ciudad” directamente obvió todo diálogo, mientras que en “Tiempos modernos” incluyó unas brevísimas líneas habladas, que no hacen en lo más mínimo a la cuestión.

COMER SIN DEJAR DE TRABAJAR ("TIEMPOS MODERNOS")

Sin embargo, no puede decirse de ninguna manera que el cine sonoro no repercutió en él, lo cual lo prueba el hecho de que entre una película y otra trancurrieron cinco años en lo cuales Chaplin estuvo sin filmar.

Fue recién cuatro años después, en “El gran dictador”, donde recurrió plenamente a los recursos sonoros, dejando de lado a su mítico personaje para meterse en la piel del mismísimo Adolf Hitler y parodiarlo hasta el absurdo.

Otra vez debió pasar mucho tiempo, exactamente siete años, para que en 1947 Chaplin volviera a la carga con un filme.

Se trató de “Monsieur Verdoux”, una película basada en una idea que años atrás le diera Orson Welles y que hacía referencia a un Barba Azul francés inspirado en el múltiple asesino Landrú, que se casaba con solteronas millonarias y luego las asesinaba.

PERSECUCION POLITICA E IDEOLOGICA

Ya por entonces la persecución que sufría Chaplin por parte de la autoridades estadounidenses era insostenible para el artista. Tildado de comunista (¡qué raro en Estados Unidos!), fue citado por el Comité de Actividades Antiamericanas liderado por el tristemente célebre senador McCarthy para dar testimonio de la filiación política de su amigo Hans Eisler. Chaplin no concurrió a la cita, pero ya su vida personal y profesional se había convertido en un tormento.

En en el primer aspecto, debiendo salir a desmentir toda vez que podía tener una ideología comunista. Y en el plano laboral, debiendo soportar discriminaciones tales como que la mencionada “Monsieur Verdoux” fuera prohibida en varios estados norteamericanos, mientras que en los que se exhibió se hizo luego de que la cinta pasara por la censura del Código Hays.

En medio de todo ello, en 1952 Chaplin se hizo lugar para concretar su último filme en los Estados Unidos, “Candilejas”, que trataba sobre el ocaso de un cómico y que también sufrió las consecuencias de la persecución política siendo también prohibida en varios estados. No obstante, se transformó en un acontecimiento artístico y social en el mundo entero. Críticos y público se emocionaron con la tierna historia del clown, yendo a verla la mismísima reina Isabel II de Inglaterra al tiempo que Francia le otorgaba la orden de la Legión de Honor.

Poco después del conflictivo estreno y ya sin su parte en la United Artist (la había vendido en cinco millones de dólares) Charles Chaplin se embarcaba junto a quien fuera su última esposa, Oona O´Neill y los hasta entonces cuatro hijos de ese matrimonio rumbo a Southampton, Inglaterra.

Fue el 18 de octubre de 1952 y ese mismo día el procurador general de Justicia de los Estados Unidos, James Granery, pidió que fuera investigado por presunta conspiración contra el estado y posible actividad inmoral. De volver a los Estados Unidos, Chaplin corría el riesgo de ser encarcelado.

De allí en más, hubo tiempo para que filmara y estrenara en Londres “Un rey en Nueva York” (1957), una suerte de “revancha” contra las autoridades norteamericanas, “Una condesa en Hong Kong” (1967) -protagonizada por Sofía Loren y Marlon Brando con la particularidad de haber sido su primera y última película en colores-, “Chaplinesque” (1972), “Sonrisa” (1975) y “Es tiempo de show” (1976), en diversas actividades (ver filmografía).

Ya en 1972 había prescrito la causa con la Justicia estadounidense, por lo que pudo regresar a Hollywood para que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas lo premiara con un Oscar a la trayectoria. Tres años después, la reina Isabel le otorgaba el título de sir de la corona británica. En 1987, once años después de su muerte, Chaplin volvía al cine a través de una canción suya en el filme “Mala sangre”, de Leos Carax.

Tras una existencia plagada de éxitos profesionales, sinsabores políticos y una agitadísima vida afectiva, en la que formó cuatro matrimonios (Milfred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O´Neill, hasta su muerte) y doce hijos (uno con la primera esposa, dos con la segunda, ocho con O´ona -entre ellos Geraldine- y uno extramatrimonial con Joan Barry), Charles Spencer Chaplin falleció en Suiza el 25 de diciembre de 1977.

Desde entonces, transita con sus zapatones, su bigotito, su bombín y su bastón por el cielo de los genios.

UNA INOLVIDABLE ESCENA DE "EL PIBE"

La culpa la tuvo Fellini

2007-07-06T23:58:00.000-03:00

Blog... blog... blog...
¿Para qué un blog? ¿Por qué un blog? ¿Cómo se hace un blog? ¿Sobre qué hacer un blog?
¡¡¡¡¡SOBRE CINE!!!!! Sí, sobre cine... Porque desde mi adolescencia, cuando vi Amarcord, me di cuenta de que esa era una de mis pasiones. Ya tenía al fútbol como tal y al periodismo revoloteando.
Opción 1: Pude haber sido jugador. Lo hacía muy bien y hasta jugué en las pre-inferiores de San Lorenzo, Ferro y Chacarita, pero no estaba dispuesto a tantos esfuerzos y abstenciones. Largué.
Opción 2: El cine lo disfruté como espectador en largas tardes a la vuelta del secundario en el continuado (dos y hasta tres películas) , sobre todo en el Cuyo, Los Andes y El Nilo -todos ellos de Boedo- que ya no existen.
Opción 3: Soy periodista y de eso vivo desde 1981. Es decir... 26 años.
Pero en la Opción 2 hay un apartado. Ya de grande, rozando los 40 decidí estudiar en la Escuela Profesional de Cinematografía de Eliseo Subiela, en la que me recibí de realizador cinematográfico, con consecuencias que ya contaré. No abrumemos...
Sintetizando -para esta primera entrada- termino de explicar que aquella obra maestra del gran Federico Fellini fue la que me abrió los ojos para apreciar la maravilla del llamado séptimo arte.
En algún momento, volveré sobre esa fantástica película coral que a mis tempranos 14 años logró romperme la cabeza.
Una foto del maestro y una escena emblemática de todos los tiempos, alcanzan para acompañar este debut bloggero.